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Clasijazz Quintet & Mike Fletcher plays hard bop music


José Angel Santiago Lardón - 5 mayo, 2018 - 0 comments

Clasijazz Quintet & Mike Fletcher plays Hard Bop Music. José Carlos Hernández (trompeta) Mike Fletcher (saxo alto) Antonio González (saxo tenor) Pablo Mazuecos (piano) Bori Albero (contrabajo) Miguel Canale (batería)Clasijazz, sábado, 5 de mayo de 2018. 22:30 H.

Ciclo Un artista o un disco

El ciclo Un artista o un disco nació con la finalidad de mostrar una vez al mes repertorios históricos de autores esenciales o discos emblemáticos de la historia del jazz a cargo del combo Clasijazz Quintet, integrado por el trompetista José Carlos Hernández el saxofonista Antonio González, Pablo Mazuecos al piano, Bori Albero o Guillermo Morente al contrabajo y Miguel Canale (batería) todos músicos de la casa y curtidos ya en mil batallas.

Repertorios variados y formativos concebidos, precisamente, para quinteto —que también puede ser sexteto—, formato surgido con la revolución del be bop a mediados de los años 40 y que se ha mantenido desde entonces como uno de los más significativos de la historia del jazz. El ciclo se estrenó en septiembre de 2017, con un repertorio basado en el excelente álbum Clubhouse (Blue Note, 1965, 1979) del imprescindible y “granítico” —como lo bautizó el entrañable Cifu en uno de los programas de Jazz entre amigos— saxofonista tenor Dexter Gordon (1923-1990).

En enero le cupo suerte a la obra del gran trompetista, compositor, arreglista y cantante Kenny Dorham (1914-1972), considerado como uno de los más destacados músicos de la historia del jazz. En febrero se puso en escena la música del compositor y pianista Freddie Redd. El ciclo se completa con repertorios u homenajes a otros significados jazzmen: el saxo tenor Hank Mobley (marzo), al excelente álbum del trompetista Clifford Brown y el batería Max Roach (abril), Clifford Brown & Max Roach (EmArcy, 1955), dos de los jazzmen más influyentes de la historia del jazz. Ambos se unieron en 1954 para formar uno de los quintetos más decisivos del hard bop, junto a los Jazz Messengers de Art Blakey o los quintetos de Horace Silver.

En esta ocasión, penúltimo concierto del ciclo, el quinteto muda en sexteto con la incorporación del saxo alto Mike Fletcher y el repetorio no se basa ni en un músico ni en un disco, sino en composiciones de representantes de la tercera generación hard bop (para algunos post bop) y una de las más relevantes de la escena jazzística internacional, también llama ‘young lions” como Jim Rotondi, Grant Stewart, Chris Potter, Kenny Drew Jr., Roy Hargrove, Grant Stewart, Billy Drummod o Cory Weeds —algunos de ellos pasaron por la sala Clasijazz— junto a veteranos como Clark Terry y Bob Brookmeyer. Ocho temas incluidos en otros tantos excelentes álbumes.

Y como previa breve introducción a cargo de José Santiago Lardón ‘Santi’, quien además introducira comentarios sobre aspectos de algun determinado tema en el transcurso del concierto

Repertorio

Se incluye perfil biográfico del compositor y breve comentario sobre la composición

“Third Phrase”. Kenny Drew Jr., Kenny Drew (Jazz City, 1989).

Wallace Roney (trompeta) Ralph Moore (saxo tenor) Kenny Drew Jr. (piano) Christian McBride (contrabajo) Winard Harper (batería).

Kenny Drew Jr.

Kenny Drew Jr. (1958-2014). Pianista y compositor. Hijo del también pianista y compositor Kenny Drew. Comenzó a recibir clases de piano a los cuatro años. Luego estudio piano clásico con su tía Marjorie, pero al final se decantó por el jazz. Ha actuado a lo largo de todo el mundo junto a una extensa nómina de destacados músicos: Stanley Jordan, OTB, Stanley Turrentine, Slide Hampton, Mingus Big Band, Steve Grossman, Yoshiaki Masuo, Sadao Watanabe, Smokey Robinson, Frank Morgan, Daniel Schnyder, Jack Walrath, Ronnie Cuber, entre otros.

En 1990 ganó la Great American jazz Piano Competition de Jacksonville (Florida). Como líder ha actuado en numerosos festivales de jazz como los de Jacksonville, Kyoto, Savannah on Stage, Clearwater o Newark, así como en los más importantes clubes estadounidenses. Ha publicado numerosos álbumes tanto como líder y como colaborador con destacados jazzmen.

Entre sus influencias cita no tanto a su padre, como en especialmente a Thelonious Monk —y como éste
grabó y actuó a piano solo— y a McCoy Tyner.

Excepcional pianista y compositor, de gran imaginación compositiva y facilidad técnica y sonido personal y reconocible. Su música se ha definido como hard bop con fuerte ritmo swing y profundo acento bluesy. Suu forma de interpretar se caracteriza por un acusado contraste de acordes hilvanados con extraordinaria agilidad entre ambas manos.

Tema: “Third Phrase”

Drew grabó por vez primera esta composición en el álbum homónimo a trío —Buster Williams (b) y Marvin ‘Smitty’ Smith (d)— para el sello japonés Jazz City (1989). Y después, en 1995, en otro álbum liderado junto al guitarrista Jack Wilkins.

Tiempo de blues con una melodía de fuerte contraste y acentuación que recuerda la forma de interpretar del piansita McCoy Tyner.

“Dubai” (B. Drummond). Billy Drummond Quartet, Dubai (Criss Cross, 1996).

Chris Potter (saxo soprano y tenor, clarinete bajo) Walt Weiskop (saxo tenor) Peter Washington (contrabajo) Billy Drummond (batería).

Billy Drummond

Billy Drumomd (1959). Batería y compositor. Saltó a la fama por sus trabajos, primero con el legendario Horace Silver y, depués, con J.J. Johnson y Sonny Rollins, con quienes estuvo durante tres formativos años. En la actualidad está considerado como uno de los más destacados bateristas de su generación, y se le puede escuchar en unos 300 álbumes, incluidos tres elogiados por la crítica como líder. Su álbum Dubai fue nominado como Best Jazz CD de 1995 por New York Times. En la actualidad lidera su banda Freedom of Ideas.

Nació en Newport News (Virginia) y creció escuchando la copiosa colección de discos de su padre. Animado por éste —que tocaba la batería y el saxo y que el regaló su primera batería al cumplir los cuatro años—, empezó a  tocar con bandas locales a los 8. En 1988, tras graduarse en Shenandoah Conservatory of Music, donde estudió percusión clásica y de jazz, se trasladó a Nueva York a instancias de Al Foster. Ingresó en la joven banda Out of the Blue (OTB), grabando Spiral Staircase (Blue Note), y después se integró en el sexteto del pianista Horace Silver.

Desde entonces, su musical, versatil y poderoso toque le convirtieron en músico muy solicitado tanto para estudio como para trabajar con la élite del jazz internacional: Joe Henderson, Bobby Hutcherson, Carla Bley, Chris Potter, Lee Konitz, Eddie Gomez, Buster Williams, Nat Adderley, George Cables, Charles Tolliver, Andrew Hill, Steve Kuhn, Hank Jones, Joe Lovano, Christian McBride, Joe Locke, Sheila Jordan, Larry Willis, Javon Jackson, Archie Shepp, Charles McPherson, Tony Malaby, Eric Reed o Eddie Henderson, entre otros muchos.

Gran compositor y prestigioso educador. En la actualidad es profesor de batería de jazz en Juilliard School of Music y New York University e imparte clases privadas y talleres internacionales.

Reconocido como uno de los grandes baterías de su generación, de él ha escrito la crítica: “Músico fértil y excitante” (The New York Times). “Uno de los más solicitados de su generación” (Fred Bouchard, Downbeat), “Refinado e inteligente en la batería al modo de Max Roach” (Stanley Crouch). “Potente y muy musical” (All About Jazz). “Uno de los baterías más poderosos y sensibles” (Modern Drummer), “traspasa los límites del jazz, basándose en la tradicion busca un presente vibrante y abierto” (Newark Star-Ledger).

Tema: “Dubai”

Dubai toma el nombre de la capital de los Emiratos Árabes. El tema lo interpretó en el Second Annual Montreux Jazz Festival. El tema tiene una entrada compleja con resonancias de música oriental. En las notas del álbum, escribió: «Pensé en ese nombre por considerarlo afín a su atmósfera misteriosa». Ritmo de cadencia a lo Elvin Jones.

El álbum incluye temas como el que da título, con un ritmo de cadencia a lo Elvin Jones, y otros inspirados en Ornette que busca la improvisación colectiva o de influencia antillana como el calypso “Bananafish” original de Chriss Potter.

“Mental Phrasing” (R. Hargrove). Roy Hargrove Quintet, Whith Tenors of our Time (Verve, 1994)

Roy Hargrove (trompeta, fiscorno) Cyrus Chestnut (piano) Rodney Whitaker (contrabajo) Gregory Hutchinson (contrabajo). Saxos tenor (5): Johnny Griffin, Joe Henderson, Branford Marsalis, Joshua Redman y Stanley Turrentine.

Roy Hargrove

Roy Hargrove (Waco, Texas, 1969). Pionero del moderno hard bop y uno de los principales trompetistas surgidos en los años 90. En 1987, siendo  aún estudiante de bachiller, Wynton Marsalis impresionado por su talento lo alentó para que continuará profundizando en la música. En 1988 viajó a Nueva York para participar en la grabación de Superblue, primer álbum de la formación homónima, durmiendo en el sofá del local de ensayo del trompetista Don Sickler, que también intervino en la grabación. Antes ya había grabado con el saxo alto Bobby Watson el álbum  No Question About It.

En 1989, después de un año de estudios en Berklee College of Music, se trasladó a Nueva York, grabando varios discos con el pianista Geofrrey Keezer —otro brillante joven— , así como dos sesiones para Carl Allen Manhattan Projects y el que fue su primer álbum como líder Diamond in the Rough (Novus, 1990). Su reputación creció rápida y en 1991 ya era habitual en prestigiosos festivales de jazz europeos, tanto como líder como con la formación de estrellas The Jazz Futures (Antonio Hart, Tim Warfield, Benny Green, Mark Whitfield, Christian McBride o Carl Allen). En 1992 se publicó su tercer álbum que tuvo una excelente acogida crítica.

Roy es mucho más que un joven fenómeno, como demostró en 1993 con su composición The Love Suite: In Mahogany, encargada por la Lincoln Center Jazz Orchestra. Al año siguiente publicó el ambicioso álbum With The Tenors Of Our Time (Verve) en cuarteto y con la participación de cinco leyendas del tenor —Johnny Griffin, Stanley Turrentine, Joe Henderson, Stanley Turrentine y Joshua Redman. Con Habana  Roy Hargorev´s Crisol (Verve, 1997), al frente de una big band afrocubana ganó un Grammy latino. Cuatro años después publicó el vanguardista Directions in Music: Live at Massey Hall. Celebrating Miles Davis y John Coltrane (Verve, 2002), coliderado con Herbie Hancock y Michael Brecker y ganador de dos Grammy en 2003.

Su música no se limita al hard bop, el bop o el latin, sino que es un caleidoscopio de influencias que van más allá del jazz, como se refleja en colaboraciones con artistas como D’Angelo, Macy Gray, Soultronics, Erykah Badu o con el rapero Common. Sin embargo, siempre regresa a la esencia de sus raíces como, por ejemplo, en los álbumes Earfood (2008) —puro hard bop— y Emergence (2009) al frente de una big band,
demostrando que la flexibilidad de su estilo no oscurece su respeto por la tradición del jazz.

En la actualidad, sigue en la cima del jazz internacional, realizando giras y grabaciones con su quinteto y con la formación de soul jazz RH Factor.

Tema: “Mental Phrasing”

Excelente composición cargada de poderoso swing típico de su vocabulario compositivo. Mixtura de jazz moderno, hard bop y un sutil toque de latin que le proporciona cierta intriga. Muestra de su maestría compositiva en el jazz moderno y el hard bop, en un álbum excelente y muy logrado.

“So Young” (John Webber). John Marshall & Tardo Hammer The Metropolitan Bopera House, Bopera House (VSOP, 1989)

John Marshall (trompeta) Ralph Lalana (saxo tenor) Tardo Hammer (piano) John Webber (congtrabajo) Tom Melito (batería)

John Webber

John Webber (St. Louis, Misouri, 1965). Heredero de la rica tradición de los grandes contrabajistas originarios del medio oeste americano caracterizada por su poderoso pero relajado y melódico estilo. Creció en el barrio de Wheaton (Chicago), comenzó a tocar el bajo eléctrico a los 10 años y a los 15 se pasó al contrabajo.

En Chicago no tardó en labrarse una gran reputación como uno de los más poderosos bajistas de laescena jazzística local. Mientras cursaba los estudios de bachiller colaboró en trabajos remunerados con músicos como Jodie Christian y Von Freeman. Y durante su época universitaria trabajó con grandes figuras, entre otras, Tommy Flanagan, Eddie Harris, James Moody o Ira Sullivan.

En 1987 se trasladó a Nueva York y empezó a trabajar de forma regular con figuras como Bill Hardman o Junior Cook. Desde entonces ha mantenido un extenso y regular programa de colaboraciones con músicos como el legendario batería Jimmy Cobb o los saxofonistas George Coleman, Johnny Griffin o Eric Alexander.

Pero además ha colaborado otros destacados intérprestes, entro otros, la cantante Etta Jones, Horace Silver, Ryan Kisor, Lou Donaldson, Milt Jackson, Benny Greene, Barry Harris y Brad Mehldau.

En la actualidad toca habitualmente en el área de la ciudad de Nueva York, y realiza constantes giras internacionales.

Tema: “So Young”

Bopera House es el primer álbum como líder del trompetista John Marshall y la formación The Metropolitan Bopera House, y la primera grabación como bajista y compositor de John Webber. Desde entonces Webber ha colaborado como sideman en muchos álbumes, pero solo ha publicado uno como líder Down for The Count (2014).

“So Young” es una balada profunda original del bajista John Webber inspirada según la revista especializada digital all music en el tema homónimo de Mick Jagger y Keith Jagger. El resto del álbum, esencialmente de hard bop, lo integran cuatro temas de John Marshall y standards de Fats Navarro, Duke Pearson y Charlie Parker.

“Miller Time” (Jim Rotondi). Jim Rotondi Quintet, Destination Up! (Sharp Nine, 2001)

Jim Rotondi (trompeta) Steve Davis (trombón) Mulgrew Miller (piano) Joe Farnsworth (contrabajo) Joe Locke (vibráfono).

Jim Rotondi

Jim Rotondi (Montana, 1962). Trompetista, profesor y director, es una presencia clave de la escena jazzística neoyorquina e internacional desde hace más de dos décadas. Su sonido, feeling y sentido del swing le han convertido en destacado líder y solicitado sideman. Creció en un entorno familiar musical, a los 8 años tocaba el piano, a los 12 cambió a la trompeta y a los 14 un álbum de Clifford Brown orientó su futuro. Alumno del prestigioso programa de música de Universiy of North Texas, ganó el primer premio en el International Trumpet Competition de 1984.

Desde que se instaló en Nueva York en 1987 ha tocado y grabado con grandes del jazz como las orquestas de Ray Charles, Lionel Hampton, Bob Mintzer o con la Toshiko Akiyoshi Jazz Orchestra, así como con los combos de Charles Earland, Lou Donaldson, Curtis Fuller, George Coleman o Joe Chambers, entre otros.

Dirige sus propias formaciones como el quinteto junto al gran vibrafonista Joe Locke, el grupo eléctrico Full House del que forma parte el pianista David Hazeltine, y donde utiliza la trompeta eléctrica y diversos instrumentos electrónicos. Es miembro fundador del sexteto colectivo One For All, integrado además por el saxofonista Eric Alexander, el trombonista Steve Davis, el citado Hazeltine, el bajista John Webber y el batería Joe Farnsworth, banda de estrellas a la que la prestigiosa revista Jazztimes dedicó amplia y elogiosa reseña en el número de junio de 2009.

Ha grabado a su nombre 15 álbumes, para sellos como Criss Cross, Sharp Nine, y Posi-Tone, y como sideman más de 80, entre otros: octeto del saxofonista George Coleman, Charles Earland, Harold Mabern, sexteto del baterista Ray Appleton (Slide Hampton, Charles McPherson y John Hicks), así como con el saxo tenor Eric Alexander, con quien debutó en el álbum Straight Up (Delmark). Los álbumes Too Soon To Tell y Optimism (Sharp Nine) editados con la formación One For All recibieron críticas favorables de Cadence y The Detroit Free Press, al igual que las tuvieron los siguientes por parte de otras publicaciones especializadas.

De sus grabaciones recientes cabe señalar Blues For Brother Ray (Posi-tone), homenaje a Ray Charles, Excursions (Criss Cross, 2000), Destinations Up! (Sharp Nine, 2001), New Vistas (Criss Cross, 2004), 1000 Rainbows (Posi-Tone, 2010), Dark Blue (Smoke Sessions, 2016). Con One For All: Live At Smoke Vol. 1 ‎(Criss Cross, 2001), Killer Joe (Venues, 2005) y Alexis Cole with One For All, You’d Be So Nice To Come Home To . Y con Full House: Champagne Taste (Nagel Heyer 2005)

Reside y trabaja en el área de Nueva York, donde mantiene un intenso plan de trabajo entre actuaciones, grabaciones, composición y labor docente. Ha impartido clinics en la Emory University de Atlanta, en el Jamey Aebersold Summer Jazz Camp, talleres de jazz en Stanford University, y ejercido como profesor de trompeta de jazz en la Rutgers Unversity y es docente asociado de la State University of New York (Purchase). Fue profesor en el prestigioso University for Music and Dramatic Arts de Graz (Austria).

Considerado como uno de los mejores trompetistas de la escena mundial, de él se han vertido críticas del
tenor de: «Sin duda, el mejor de la era post-Hubbard». Chris Hovan, allaboutjazz.com. «Sus solos son una amalgama perfecta de potencia, sutileza y lógica”. David A. Orthmann, allaboutjazz.com. «Posee la pasión y el don para encontrar nuevos senderos para la música del nuevo milenio». The New Yorker (enero, 2003). «Si tuviese que elegir un trompetista para la próxima década, sería Jim Rotondi». Don Berryman, www.jazzpolice.com (mayo, 2005).

Tema: “Miller Time”

“Miller Time” es un tema elegante y de tempo medio, compuesto como homenaje al pianista Mulgrew Miller. Comienza con un coro de vientos que crea una sugestiva atmósfera y luego deja espacio al pianista para que desarrolle amplias líneas melódica,

“Cyclops” (Grant Stewart). Gran Stewart Quartet, Buen Rollo (Fresh Sound New Talent, 1999).

Grant Stewart (saxo tenor) Fabio Miano (piano) Chris Higgins (contrabajo) Marc Miralta (contrabajo).

Grant Stewart

Grant Stewart (Toronto, Canadá, 1971). A muy temprana edad se familiarizó con la música de Charlie Parker, Wardell Gray y Coleman Hawkins gracias a las audiciones de los discos de su padre, profesor de inglés de secundaria y guitarrista semiprofesional.

Empezó a tocar el saxo alto a los 10 años, y a los 14 fue invitado por su primer maestro de Toronto, Pete Scofield, a tocar profesionalmente en la Scofield’s Big Band de la que era director. A los 17 cambió al saxo tenor y pronto tuvo ocasión de tocar con avezados maestros del tenor como Pat Labarbera y Bob Mover, a quien considera como uno de sus grandes maestros y destacada influencia junto a las de Sonny Rollins, John Coltrane, Don Byas y Lester Young, entre otros.

A los diecinueve años se mudó a Nueva York donde estudió con maestros como Donald Byrd, Barry Harris, George Coleman y Joe Lovano. Su impecable lenguaje hardbopiano lo consagró rápidamente como uno de sus grandes especialistas y pasó así a ser solicitado por jazzmen como Jimmy Cobb, Harold Mabern, Louis Hayes, Curtis Fuller, Renée Fleming, Clark Terry, Bob Mover, Etta Jones, Bill Charlap, Lewis Nash, Peter Washington, Brad Mehldau, Russell Malone, Larry Goldings, Peter Bernstein, Harry Connick, Mickey Roker, Jimmy Lovelace, Cecil Payne, Dick Hyman, Herb Geller o Al Gray.

Actua con regularidad en míticos clubes de Nueva York, entre otros, Village Gate, Birdland, Birdland, Smoke, Kitano, Jazz Standard, Village Vanguard o Fat Cat y se le puede escuchar todos los martes por la noche en el Smalls Jazz Club. Ha actuado además en el prestigioso Lincoln Center. Fue uno de los primeros músicos de jazz invitado a tocar en el histórico Museo del Hermitage de San Petersburgo (Rusia). Y fue artista invitado en el Guggenheim Museums’ Jazz series con su trío del que formaba parte el legendario batería Jimmy Cobb. Y en sus giras ha recorrido toda América del Norte, Europa, Brasil, Japón y Taiwan. Ha visitado España en múltiples ocasiones y en Almería estuvo por primera vez en el Georgia Jazz Club en marzo de 1997 junto al Milestones Trío (Fabio Miano, Richie Ferrer y Carlos González) y cuatro veces en Clasijazz, la última en 2018.

Con 21 años debutó con Downtown Sounds (Criss Cross Jazz, 1992), primer álbum a su nombre que recibió el unánime aplauso de la crítica especializada de Estados Unidos, Canadá y Europa, así como el segundo, More Urban Tones (Criss Cross Jazz, 1994) que además fue seleccionado por la revista Toronto Star como uno de los mejores discos del año. Desde entonces ha publicado como líder 17 álbumes, entre ellos los recientes Trio (2015) y Roll On (2017) ambos grabados para el sello canadiense Cellar Live, o el  galardonado Live at Smalls (2012), directo en el mítico club neoyorquino.

Pero además y junto al también tenorista Eric Alexander pusieron en marcha el proyecto de quinteto Reeds and Deeps —probable homenaje al álbum del multiinstrumentista Roland Kird Reeds and Deeps (Mercury, 1963)— publicando 3 maravillosos álbumes para el sello Criss Cross Jazz: Whelin’ (2004), Cookin’ (2005) y Tenor Time (2010). Y como sideman ha colaborado en un sinfín de grabaciones.

Partiendo de la tradición, con los ingredientes de Parker, John Coltrane, Coleman Hawkins, Lester Young y Sonny Rollins entre otros y la experiencia acumulada a lo largo de tres décadas de carrera profesional ha elaborado un lenguaje personal y distintivo propio del gran maestro que sin ninguna duda es en la actualidad, tal como atestiguan los encendidos elogios de célebres jazzmen como el batería Jimmy Cobb, el trompetista Clark Terry o los saxos Lou Donaldson y George Coleman.

Confeso admirador de los grandes clásicos del saxo tenor ya citados, entre quienes además incluye como influencias a las poco frecuentadas referencias de Wardell Gray y Don Byas, así como a Bob Mover, defiende un concepto altamente melódico de la música frente a las complejidades armónicas a las que se apuntan muchos de sus compañeros de generación, así como un gusto por la melodía entendida al modo ortodoxo o, si quieren, una forma de tocar más con el corazón que con la cabeza, y desde luego jamás afín a determinado academicismo o neotradicionalismo comunes a muchos jóvenes jazzmen.

Su sonoridad poderosa, afín al hard bop canónico pero con rasgos personales, amasada junto a ingredientes como su amor a los grandes maestros antiguos y modernos, convierten cada uno de sus conciertos ejecutados con un fraseo ágil y aireado en un fértil viaje al ardor de Rollins, la profundidad de Coleman Hawkins, la sutileza de Lester Young, la delicadeza de Wardell Gray, el ronco quebranto de Don Byas o la nerviosa agitación del saxo alto Bob Mover.

Combinación ideal de antiguos maestros y precursores del tenor moderno que le permiten todas las posibilidades para desarrollar un repertorio tan abierto a los clásicos de Cole Porter y Billy Strayhorn, dos de sus compositores favoritos, como a las creaciones abstractas de Thelonious Monk, otra referencia habitual en sus conciertos y grabaciones.

Tema: “Cyclops”

“Cyclops” es una composición de gran intensidad y dificultad interpretativa y una melodía atonal y de complejas progresiones armónicas.

“Blue China” (B. Broomeyer). Clark Terry & Bob Brookmeyer Quintet, Tonight (Mainstream, 1965).

Clark Terry (trompeta, fiscorno) Bob Brookmeyer (trombón) Roger Kellaway (piano) Bill Crow (contrabajo) Dave Bailey (batería).

Bob Brookmeyer

Bob Brookmeyer (Kansas City, Misouri, 1929-2011). Uno de los trombonistas y arreglistas más destacados de su tiempo. Comenzó como pianista en una orquesta de baile, luego ganó el premio Carl Busch Coral Composition durante su estancia en el Kansas City Conservatory of Music.

Instalado en Nueva York trabajó como freelance con músicos tan insignes como Coleman Hawkins, Pee Wee Russell, Ben Webster o Charles Mingus. Luego trabajó durante 15 años con el saxofonista Stan Getz, pero no alcanzó el reconocimiento debido y notoriedad hasta 1954 cuando entró a forma parte del cuarteto del saxo barítono Gerry Mulligan, junto a músicos como Dave Bailey (d), Zoot Sims (st) o Don Ferrera (d).

Se le señala como el creador del proyecto Gerry Mulligan’s Concert Jazz Band, que durante décadas realizó giras y grabaciones con la participación de músicos como Bill Evans o Jimmy Guiffre, y formó destacados quintetos con Clark Terry —como en este álbum. Fue uno de los miembros originales de la Thad Jones/Mel Lewis Orchestra y muy solitcitado como músico de estudio.

En 1991 fue nombrado director del BMI Jazz Composers Workshop (encuentro de compositores). En 1991 se trasladó a Holanda para iniciar una nueva escuela de improvisación y composición musical. De regreso a Estados Unidos, dio clases de composición de jazz en el New England Conservatory of Music, a la par que continuó componiendo y grabando innovadores y notables trabajo para orquestas de jazz hasta su muerte en 2011.

Tema: “Blue China”

Clark y Bob, excepcionales instrumentistas, formaron a mediados de los 60 una pareja muy conjuntada capaz de insuflar swing en cualquier circunstancia. Es el caso de este excelente álbum en el que ambos desarrollan intercambios de dúos y solos vibrantes y plenos de significado.

“Blue China” es un tema divertido y raro en el que Brookmeyer recurre a una sonoridad estereotipada de la música china evidente en la introducción. La línea de metales comienza con un coro paralelo con la misma atmósfera chinesca, que luego estalla en ráfagas de explosivo jazz cargado de swing. La mezcla de estilos no solo cautiva a la audiencia sino que ofrece un fascinante encuentro entre la tradición oriental y occidental.

En este sentido cabe señalar que su rareza queda diluida si se tiene en cuenta que Shangai fue la capital del jazz asiático en las primeras décadas del siglo XX y que muchos músicos afroamericanos viajaron hasta allá. Cabría hablar, entonces, de una suerte de jazz chino, mezcla de ritmos americanos e instrumentación y melodías de folk chino como planteó Andew F. Jones en “Yellow Music: Media Culture and Colonial Modernity in the Chinese Jazz Age ”, curiosa y fascinante crónica de esta breve periodo de la historia del jazz.

“Biru Kirusai” (J. Rotondi). Cory Weeds Quintet, Everything’s Coming Up Weeds (Cellar Live, 2009).

Cory Weeds (saxo tenor) Jim Rotondi (trompeta) Ross Taggart (piano) John Webber (contrabajo) Willie Jones III (batería).

Cory Weeds

Cory Weeds. Saxofonista canadiense con una sonoridad enraizada en la tradición del jazz. Personaje activo en el mundo del jazz canadiense tanto como músico, organizador de conciertos y sobre todo como fundador y propietario del Cellar Jazz Club de Vancouver, uno de los principales clubes de jazz de América por el que han pasado figuras como George Coleman, Jeff Hamilton, Louis Hayes, David ‘Fathead’ Newman, Dr. Lonnie Smith, así como los más destacados del panoroma jazzístico canadiense, antes de su cierre en febrero de 2014. Estuvo 13 años activo.

Estudió en la University of North Texas y en el Capilano College, y luego tocó durante muchas noches como líder o sideman en su club, tocando entre otros con figuras como Joey DeFrancesco y Christian McBride.

Ha grabado 12 álbumes como líder, entre otros, Dreamsville (Jeff Hamilton Trio), It’s Easy To Remembe (David Hazeltine, Joe Magnarelli, Paul Gill and Jason Tiemann), This Happy Madnes, (Jeff Hamilton Trio), Condition Blue, The Music Of Jackie McLean (Peter Bernstein, Mike LeDonne y Joe Farnsworth), As Of Now (Harold Mabern Trio), Let’s Go (Steve Davis, nominado al premio Juno), Up A Step(Cory Weeds Quartet), With Benefits (Lewis Nash y Peter Washington), Just Like That (Tilden Webb Trio), The Many Deeds of Cory Weeds (Joey DeFrancesco), Everything’s Coming Up Weeds (Jim Rotondi) y Big Weeds (Peter Bernstein, Mike LeDonne, y Joe Farnsworth).

En 2001 fundó el sello Cellar Live con el que ha publicado más de 115 álbumes de destacados jazzmen canadienses e internacionales. Además ha producido más de 80 grabaciones. En 2017 recibió un premio Juno a la formación Metalwood.

Es un reputado educador, lidera la BC Music Educators Association’s Honour Ensemble, e imparte talleres y clases particulares. También ejerció de disc jockey en la Co-Op Radio de Vancouver.

Tema: “Biru Kirusai”

“Biru Kirusai” es una excitante mezcla de latin, rock y funk. El título tiene su origen en una confusión al pedir otra cerveza durante una gira por Japón, según explicó el propio Rotondi, y pronto se convirtió en una frase habitual entre los músicos durante la gira.

Clasijazz Quintet & Mike Fletcher

Mike Fletcher (saxo alto, flauta)

Mike Fletcher (Birminghan, Gran Bretaña) Multiinstrumentista de viento —flauta, saxo alto y saxo tenor en do—, compositor de gran personalidad creativa y un lirismo y vigor exultantes, arreglista, escritor y académico vive a medio camino entre el Reino Unido y España.

Su interés por la música comenzó en el hogar familiar donde sus padres, amantes del jazz, la clásica y el folk, supieron contagiarle desde muy temprana edad. Su padre era saxofonista y en el hogar había una nutrida colección de discos. A los 6 años se inició con el piano, cambió al violonchelo a los 8, para decidirse por el saxo a los 14.

A los 16 años inició su carrera profesional con una gira por el Reino Unido y Europa con la Midland Youth Jazz Orchestra. Después estudió jazz en el Birmingham Conservatoire con profesores como los saxofonistas Mike Williams y Julian Siegel y se graduó en 2005. A dicha institución regresó para completar su doctorado en 2018 y ahora desarrolla una intensa actividad como investigador posdoctorado.

Tras su graduación vivió y trabajó en el Reino Unido, Alemania y España, labrándose una sólida reputación, presentándose en numerosos clubes y festivales de jazz en el Reino Unido —EFG London Jazz Festival, Cheltenham Jazz Festival o Manchester Jazz Festival—, Europa —Outono Em Jazz (Portugal), Jazz Goes To Town (República Checa), e internacionales —Cambio S Festival (Brasil), IAJE Conference (Toronto, Canadá).

Mike es, ante todo, saxofonista y como tal actúa como líder de sus proyetos —Mike Fletcher Trio, Cuarteto Español, Mike Fletcher Jazz Orchestra— o como sideman de formaciones como Olie Brice Quintet, el grupo de jazz flamenco almeriense Cuarteto Majao o Johathan Silk Big Band. En 2015 fue invitado por la Birmingham Symphony Hall para participar en la ECHO Rising Starsprogramme —actuando en destacados escenarios de ciudades europeas como Londres, Baden Baden, Hamburgo, Barcelona, Budapest, Dormund, Estocolmo, Bruselas, Birmingham o Lisboa—. En 2013 fue elegido por la BBC para representar al Reino Unido como saxo alto solista con la European Jazz Orchestra que dirigida Ann-Sofi Søderqvist por recorrió el continente europeo.

Su versatilidad musical le ha permitido tocar y grabar con músicos como Tony Bianco, John Dankworth, Paul Dunmall, Bobby Previte, Tony Levin o Dan Weiss. Trabaja en proyectos de trío, noneto y orquesta de jazz.

En 2013 editó el álbum Nick of Time (Slam Productions) a trío con el bajista Olie Brice y el batería Tymoteusz Jozwiak, y en enero de 2015, Vuelta (Stoney Lane Records) bajo el nombre de Mike Fletcher Trio, con el mismo bajista y el baterista estadounidense Jeff Williams e integrado por composiciones propias donde revela su íntima relación con Andalucía y Almería, su otra residencia emocional. La segunda mitad de 2018 estará de gira por Europa promoviendo su último álbum, Picasso (s), un proyecto experimental para saxo solo inspirado en el jazz y en las artes visual. Y como sideman ha colaborado en grabaciones con notables jazzístas contemporáneos como Tony Bianco y Paul Dunmall.

Su música está influenciada sobre todo por el lenguaje melódico e improvisador del jazz, pero también ahonda en ámbitos como el folk, la música popular y la clásica contemporánea.

Como compositor ha trabajado variados géneros como el jazz, la música clásica contemporánea para teatro y cine. En 2017 compuso y dirigió la música de la producción de la Royal Shakespeare Company Dido, Queen of Carthage, considerada como «una de las más hermosas partituras de la RSC en mucho tiempo».

En 2013 recibió el encargo de Jazzlines/THSH para componer e interpretar una suite musical como parte de la celebración de la obra del compositor minimalista Steve Reich. La obra fue estrenada en el Symphony Hall Birmigham en marzo de 2013 y grabada en junio de ese año por una formación de viento y dos contrabajos —Mike Fletcher (sa), Percy Pursglove, Mike Adlington (trompeta), Tom Dunnett, Richard Foote y Hans Koller (trombón), Olie Brice y Nick Jurd (contrabajo) y Tymek Jozwiak (batería)

Parte de su extensa producción musical ha sido interpretada por destacados solistas como Lee Konitz, Andrew D’Angelo o Dan Weiss.

Es el actual director titular de la Clasijazz Big Band Swing & Funk (Almería) con la que ha tenido ocasión de trabajar con leyendas del jazz como Benny Golson, Barry Harris y Lee Konitz, desarrollando interesantes repertorios, revisitando su propia música, el excelente álbum de Count Basie, The Atomic Mr. Basie o el que dedicado a la época dorada del swing de las grandes big bands de Glen Miller, Count Basie o Ellington, estrenado en el Auditorio Maestro Padilla el 22 de abril de 2018.

Además es escritor e investigador académico vinculado al Royal Birmingham Conservatoire (Reino Unido). Ha publicado artículos e impartido conferencias en el Reino Unido y Europa y muchos de sus textos, incluídos capítulos, han sido editados en colecciones por Routledge y Leuven University Press.

Se estrenó en Clasijazz en febrero de 2015, es habitual de sus jam sessions, y ha tocado como invitado en numerosas ocasiones, entre otras junto a Lee Konitz. Cuando sus compromisos profesionales se lo permiten desarrolla proyectos como, por ejemplo, el admirable Mike Fletcher Quintet junto a Julián Sánchez, Albert Cirera, Bori Albero y Ramón Prats.

José Carlos Hernández (trompeta)

José Carlos Hernández Jiménez. (Gádor, Almería, 1993). Trompetista, fliscornista, pedadogo, director de la Escuela Municipal de Música de Gádor y director de la Big BanDarax, joven orquesta nacida en 2015 e integrada por alumnos de la cita Escuela junto a los de la Escuela de Música Martínez Muñoz de Alhama de Almería, dirigida por Aurelio Muñoz.

Es miembro de la Clasijazz Big Band Swing & Funk, así como de la Clasijazz Big Band, con las que ha participado en infinidad de conciertos.

Se inició en el jazz hace 8 años de la mano de Pablo Mazuecos en el Conservatorio de Almeria, formando parte de la Joven Big Band del Conservatorio de Almería, y temas como “A Child is Born”, “Alfie” y “The Pink Panther” fueron los primeros que ensayaron, actuando en el citado Conservatorio así como en el antiguo Clasijazz.

Pronto esa Joven Big Band se convirtió en la actual Big Band Clasijazz Swing & Funk, junto a músicos de otras procedencias. Con esta orquesta ha tenido ocasión de tocar con grandes músicos nacionales e internacionales que vinieron a colaborar, entre otros, el saxofonista Enrique Oliver, el batería Martin Andersen, el pianista Ignasi Terraza, el trombonista Victor Colomer, The Sofisticated Ladies, Susana Sheiman, Sinne Eeeg, The New Jungle Orchestra, David Pastor, entre otros muchos, montando un amplio elenco de repertorios como la Suite Cascanuecos arreglada por Duke Ellington, The Atomic Mr Basie, repertorio de Martin Leiton, repertorio de Duccio Bertini o la música de Mike Fletcher, actual director de la orquesta.

Y con la Clasijazz Big Band —la hermana mayor— ha participado en importantes conciertos como, por ejemplo y por citar uno, el dedicado al grandioso Epitaph de Charles Mingus junto a una colosal big band de 32 miembros dirigida por el saxofonista Ramón Cardo.

Además forma parte del quinteto Jazz’ta Quintet presentado en Clasijazz en marzo de 2016 con un repertorio hard bop —Horace Silver, Lee Morgan—. El grupo lo integraban además Jose Diego Sarabia (trombón) Pablo Sánchez (guitarra), Fafi Molina (contrabajo) y Álvaro Sánchez (batería) y contó con la participación como músicos invitados del saxofonisa Mike Fletcher y el pianista Pablo Mazuecos. Y como docente imparte talleres de trompeta y combo en Clasijazz.

Persona cabal y apasionada se muestra humilde pese a su extraordinario bagaje, consciente de que aún le queda un largo camino de aprendizaje, aprendiendo de los maestros y de la experiencia en su doble labor de pedagogo y músico. Como referentes de inspiración suele citar, entre otros, al trompetista Lee Morgan. Considera que de todo se puede aprender y que el jazz, la música moderna, es una fuente de energía e información inmensa que conecta músicas del mundo, que te transportan a otra dimensión.

Antonio González (saxo alto y tenor)

Antonio González (Granada, 1982) Considerado como uno de los saxofonistas andaluces más destacados. De formación clásica primero y autodidacta en su evolución hacia la música creativa, participa en algunos de los proyectos más interesantes en el ámbito del jazz. Pese a su juventud, cuenta con una larga trayectoria musical, ha tocado con algunos de los mejores músicos de jazz a nivel nacional e internacional en destacados festivales y ha participado en numerosas grabaciones.

Comenzó sus estudios musicales a la edad de 8 años. Pronto cursó estudios de saxofón clásico en el Conservatorio Superior de Música de Granada, donde obtuvo el título de Profesor Superior de Saxofón. Formación que complementa con los estudios de Historia y Ciencias de la Música en la Universidad de Granada. De forma simultánea a sus estudios clásicos se interesó por el jazz y otras músicas creativas, lo que le llevó a complementar su formación asistiendo a seminarios de música moderna y a participar en proyectos de diversa índole.

Su forma de tocar y modo de expresarse por medio de la música ha sido moldeado y fraguado con el paso de los años tocando, aprendiendo y disfrutando con músicos como Perico Sambeat, Barry Harris, Eric Alexander, Benny Golson, Kurt Elling, Albert Bover, Enrique Oliver, Toni Belenguer, Fabio Miano o Bob Sands entre muchos otros.

En la actualidad es miembro de numerosos y variados proyectos y formaciones, entre otros, Clasijazz Big Band —integrada por muchos de los mejores músicos del jazz nacional y dirigida por Ramón Cardo—; Hardbop World, liderado por el pianista y compositor estadounidense residente en Granada Vince Benedetti; AG Dúo, junto con el guitarrista Antonio Gómez; el quinteto The Pocket junto al trompetista Voro García y una sección rítmica de lujo integrada por Juan Galiardo, Marko Lohikari y Xavi Hinojosa; Ximénez & González Quintet —con el trompetista Antonio Ximénez, hoy en stand by—, el fabuloso octeto Supersax —Enrique Oliver, Ramón Cardo, Tete Leal, Sergio Albacete, Pablo Mazuecos, Bori Albero y José Luis Gómez ‘Polaco’— ; el cuarteto dirigido por la pianista Atsuko Shimada —Rafa Sibajas y José Luis Gómez ‘Polaco’— o las más recientes bandas González & Fletcher Quintet —junto al también saxo alto, flautista y compositor Mike Fletcher, Pablo Mazuecos, Bori Albero y Miguel Canale— y Clasijazz Quintet, clásica formación junto al trompetista José Carlos Hernández, Pablo Mazuecos al piano, el contrabajista Bori Albero y Miguel Canale a la batería, con el que desarrollan el nutritivo y enervante —y aún en curso— ciclo Un artista o un disco: recorrido por la música de leyendas de la historia del jazz como Dexter Gordon, Freddie Red, Hank Mobley, Kenny Dorham, Clifford Brown, Max Roach o Cannoball Aderley, presentado con new look de escenario, a la manera de los viejos y entrañables clubes de jazz, y comentarios e introducción de José Santiago Lardón ‘Santi’.

Pablo Mazuecos (piano)

Pablo Mazuecos (Almería, 1979) Poseído por la música aún antes de echar los dientes —dicen que nacieron teclas en su lugar—, se define como pasional amante de la música. Licenciado en Económicas, su pasión le llevó a graduarse en el Real Conservatorio de Música de Almería en la especialidad de piano. Recibió consejos de los pianistas Pierre Marie Van Caengemen o Javier Herreros, y siguió cursos con Tamas Vesmas o Juan José Pérez Torrecillas. Influencia clave en su formación y amor por la música fue su primer profesor, ya fallecido, Luis Gázquez Abad. Siguió cursos de jazz (VI Seminario de Jazz, Foro de Profesores impartido por la Juilliard School of Music…) y clases de pianistas como Fabio Miano o Juan Galiardo, y de modo propio un inabarcable turbión de consejos que su avidez de esponja absorbía con inaudita voracidad: basta oirle tocar el piano para advertir la cuantía y variedad de sus recursos.

Ha dado infinidad de recitales con diferentes agrupaciones camerísticas, colaborado con la Orquesta Ciudad de Almería (Amor Brujo de Falla, Concierto para clarinete, arpa y piano de Aaron Copland o Stabat Mater de Pergolesi), con la Banda Municipal de Almería en conciertos clásicos y de jazz (Symphonic Jazz Suite de Brescriscutto). Formó parte de la Ual Jazz Band con la que participó en el XXI Festival de Jazz de San Juan Evangelista de Madrid (2002). Ha tocado en jam sessions con Jorge Pardo, Joaquín Chacón, Alfons Carrascosa, Francis Posé, Tomás Merlo, Francisco Blanco ‘Latino’, Tony Belenguer, Ramón Cardo, y un infinito etc.

Es director musical de la Dixieland Clasijazz, mantuvo el cuarteto estable de hard-bop con influencias danesas González/Mazuecos/Morente/Mortensen. Trabajó en el Conservatorio Profesional de Danza de Almería durante cinco años, creando además músicas propias para coreografías Acompaña a grandes cantantes de la escena lírica española como José Julián Frontal o Magdalena Llamas.

Es profesor pianista acompañante de canto en el Conservatorio Profesional de Música de Almería. Forma parte de la Clasijazz Big Band, con la que se han llevado a cabo, desde su creacción en 2010, programas de altura como Concierto Sacro de Ellington, Creaciones propias, estrenado justo en el V Aniversario de la banda, Epitaph de Charles Mingus, o el reciente junto al maestro Lee Kontiz, por citar algunos. Codirige con Bori Albero la Clasijazz Big Band Swing & Funk.

Alma mater de la Fundación Indaliana para el Fomento de la Música y las Artes (FIMA), o Clasijazz, activista infatigable, promotor de las más osadas aventuras, dispuesto a afrontar cualquier música —música solo hay una— desde ámbitos tan, en apariencia, distantes como la clásica, el bolero, el jazz, la bossa, o la música experimental de libre interpretación. Conversador pertinaz los afters mudan en una suerte de aula callejera donde los límites los pone la estrechura del reloj. Y a uno se le antoja que tiene el corazón partío entre Schubert y Bill Evans.

En íntimo contacto con músicos nórdicos, con quienes suele colaborar, es responsable de organizar el Ciclo de Conciertos Internacionales, su persistencia —capaz de meter al diablo en misa mayor— ha conducido hasta esta sala a figuras como Eric Alexander, Ignacio Berroa, Joe Lovano, Grant Stewart, Pierre Dogh, Enrico Pieranunzi, Martin Andersen, Joe Magnarelli, Jim Rotondi , Dorantes, Kenny Werner, Barry Harris o Lee Konitz.

Bori Albero (contrabajo)

Bori Albero (Girona, 1982) Estudió contrabajo en el Conservatorio de Girona, compaginado con el bajo eléctrico en el Taller de Músicos de Banyoles. Después estudió en la ESMUC (Escuela Superior de Música de Catalunya) en el Área de contrabajo jazz con profesores como Mario Rossy u Horacio Fumero. Además, recibió clases privadas de Javier Colina.

De familia muy musical, su hermano Roc es trompetista tocando en diversas formaciones y dirigiendo su propio cuarteto, y Marina es multiinstrumentista, toca el piano (en su trío), vibráfono y el salterio (música étnica), del que es auténtica virtuosa, y Bori al que ya conocen, contrabajista de toda clase de música, y de quien se dice que la “música y él son la misma cosa”.

Junto a Roger Mas, Albert Cirera, Alfred Artigas y Juanma Nieto, formó el quinteto Proyecto Zero, con el que actuó de en festivals de jazz de España, ganando el Premio al mejor grupo en el Concurso Nacional de Jazz de Salamanca. Ha formado parte del trío Among 3 y ha colaborado con músicos como David Mengual, Jon Robles, etc. En la actualidad forma parte de relevantes formaciones de la escena jazzística nacional, entre otras, The Buildbuncher.

Se le puede escuchar en grabaciones con intérpretes reconocidos del panorama nacional como Roger Mas, Jaume Llombart, Julián Sánchez, Enrique Oliver, Marina Albero, Arturo Serra, Joan Monné, David Xirgu. Y un largo etcétera. Actualmente alterna su actividad como sideman de primer nivel en los mejores escenarios de Andalucía y Cataluña.

En la actualidad reside en Almería, es socio de Clasijazz, miembro de la Clasijazz Big Band, de la que es codirector y forma parte de la sección rítmica de la sala Clasijazz junto a Pablo Mazuecos y Miguel Canale. Como contrabajista ha acompañado a figuras de la talla de Barry Harris, Dado Moroni, Olivier Antunes, Arturo Serra, Vince Benedetti o Lee Konitz. Colabora además con la Asociación La Guajira, amén de continuar con su actividad concertística por todo el panorama nacional.

Miguel Canale (batería)

Miguel Canale (Montevideo, Uruguay, 1965): Batería, percusión. Su primer contacto con el instrumento ocurre a los 3 años. En breve, este “juguete” se convierte en su preferido y de allí en más, los tambores serán compañeros inseparables.

Durante su período universitario, colabora con varios solistas y grupos de fusión en los cuales el “candombe” (ritmo popular afro-uruguayo) y la “murga” (prima hermana de la chirigota gaditana) constituyen la base rítmica.

La proximidad de su tierra con el Brasil y sus repetidos viajes a las diferentes regiones de este país determinaron su especial predilección e interés por esta música.

Su formación ha sido siempre autodidacta e incluye un vasto numero de workshops y masterclasses con grandes profesionales del instrumento: Jorge Rossy, Ignacio Berroa, Salvador Niebla, Ramón Prats, Martin Andersen y Gonzalo del Val entre otros.

Es su condición de arquitecto la que en el 2004 lo lleva hasta Almería, donde hoy trabaja como diseñador en su propia firma.

En 2006 y recién formado, el grupo de bossa nova y música popular brasileña Color Brasil (García-Granados-Balastegui-Sorensen) le brinda la oportunidad de reencontrarse con el instrumento y estrenarse en la escena local.

Ya con Clasijazz como punto de encuentro comienza a interactuar con otros músicos y participar en diferentes grupos: Fugazz Quartet, Andrew McNicholas (varios) y Luis Sánchez, Pepe Viciana (varios), Pablo Mazuecos (varios) y Diego Cruz quinteto entre otros

Hoy y como parte de la sección rítimica del club, junto a Mazuecos y BoriAlbero, ha acompañado numerosas voces solistas y formado parte de proyectos jazzísticos junto Antonio Gómez, Antonio González y Mike Fletcher.

©José Santiago Lardón ‘Santi’ (Mayo, 2018)

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