Cyrille Aimée (voz)

Carl-Henri Morisset (piano) Matteo Bortone (contrabajo) Pedro Segundo (batería)

Clasijazz. Sala Principal, lunes 4 y martes 5 de febrero de 2024. 22:00 H

El feliz sueño de la cenicienta nómada

«Me encanta improvisar, en la vida y en la música. Siento que estoy exactamente donde necesito estar». Cyrille Aimée.

Los sueños que brotan en mitad de la noche son tan reales, o más aún, que la vida que les da aliento, son su más precisa esencia. Soñamos con un mañana y llega esa fecha y apenas si recordamos que ya existió ese tiempo amasado de fantasías, quimeras o ilusiones, pero a veces la memoria los atesora y los regurgita con urgente pulsión, como imperiosa necesidad.

Cyrille Aimée, una cenicienta aventurera curiosa, soñadora y feliz, es puro sueño, aluvión de ensueños inquietos y aventurados que guarda y recuerda y ansía. Soñaba ya cuando aún era niña Y despertaba del somero duermevela alertada —y alentada— por una rara sonoridad nocturna: un silbido, una algarabía de voces, un corear de cantos, de rasgueos de guitarras. Su curiosidad aventurera la sacaba de la cama y escapando de hurtadillas por la ventana de su dormitorio se aventuraba por la calle para afrontar cara a cara aquel delirio que la sacó del sosegado reposo, que era otro sueños, el anhelo de lo novedoso, de otra forma de vida, la piel erizada de emoción, los sentimientos a flor de piel…

À Fleur de Peau

… y hondos sentimientos a flor de piel laten en el nuevo sueño musical de Aimée, un paso más en su carrera musical y vital en su largo e intenso viaje de búsqueda de su identidad.

Un renacer como ave fénix, no de inertes cenizas, sino de los vívidos rescoldos de su acervo cultural —no hay que reclinarse a la ya hecho— para avanzar con un pie en la tradición y la mirada en el horizonte. Un renacer en su álbum más personal, con sus propias palabras, composiciones originales y arreglos trazados en estrcha colaboración con el multinstrumentista y productor neoyorquino Jake Sherman:

«He estado escribiendo desde siempre, pero este álbum es mi verdadero nacimiento como compositora. Hace seis años descubrí que estaba embarazada mientras viajaba a Costa Rica. Pasé una semana allí, rodeada de la abundante vida de la selva, sabiendo que tenía que abortar cuando regresara a casa. Escribí la canción “Inside and Out” sobre esta experiencia poderosa, aterradora y difícil y la grabé con Jake en Nueva York, pero no confiaba en mí como compositora en ese entonces y la canción permaneció en el olvido durante años. Luego, cuando llegó la pandemia, me mudé a un terreno que había comprado en Costa Rica y, para mi propio asombro, diseñé y construí una casa en la jungla yo sola. Fue mi salida creativa y mi inspiración. La casa era mi bebé y me encontré escribiendo de nuevo, ganando confianza mientras construía y escribía. De vuelta en Nueva York, le llevé mis nuevas canciones a Jake y le dije que teníamos que terminar lo que empezamos».

Diez canciones que son mensajes que llegan al alma y que narran diferentes estados de ánimo de su vida. “Again Again” es una triste pero profunda balada que entona acompañada de la guitarra, “Beautiful Way” es un himno bilingüe a su querida Nueva Orleans, “Back to You” captura la nostalgia de la separación, la infancia remota vibra en “Here” con un coro infantil, un relectura de la canción francesa “Ma Préférence”, una expresiva “Yo soy diosa” cantada a dúo con la cantante María Cardona o la “Historia de amor” que cierra el álbum cantada en español y dedicada a la naturaleza.

El álbum se publicará el 8 de marzo, precisamente efeméride del Día Internacional de la Mujer y a propósito manifiesta Cyrille en la notas del álbum:

«Quiero inculcar a las mujeres a crear: con sus manos, sus úteros, sus voces, con cualquier cosa que las motive».

En esencia, un paso más en la búsqueda de su gran sueño que acaso ya incubase y entreviese en su remota infancia.

Uno. Allá en el territorio de la infancia

Nacida en agosto de 1984 en Fontanieblau,  creció en las cercanías de la pequeña localidad de Samois-sur-Seine en un entorno familiar propicio. Su madre, Charo, era originaria de Costa Rica y su padre, Sylvain, francés. Y aunque no eran músicos sí que la amaban:

«A mis padres les encantaba la música. Mi madre es de República Dominicana, por eso trajo el baile a la familia. Todos los días ponía música en la sala y bailaba y mi hermana Lionell y yo bailábamos con ella. Ella ponía mucho de Michael Jackson, pero también mucha salsa, cha cha cha, merengue y todo ese tipo de cosas. Pero también le encanta la música country y el flamenco. De hecho, ella me introdujo en la canción francesa. Y como mi padre quería a mi mamá [sonríe], pues también le encantaba la música y el baile. Tiene una terrible colección de instrumentos: clarinetes antiguos, violines, algunas guitarras, un piano y un saxofón; y probó todos y cada uno de ellos, pero no tenía oído para la música». Entrevista: Sanat Deliorman, Jazz Dergisi (24.05.2017).

Decisivo en su educación musical fue que en Samois-sur-Seine se celebrase cada año el Festival Django Reinhardt en memoria del legendario guitarrista de jazz manouche, vecino de la localidad desde 1951 hasta su muerte:

«Cuando era pequeña, iba al festival Django Reinhardt, pero no era realmente por la música, no me atraía especialmente […] Conocí la comunidad gitana manouche primero como personas, como cultura, con una determinada forma de vivir, de ser, de hablar. Me enamoré de su cultura. Entendí de dónde venía su música y al final acabé enamorándome de ella».

Pronto, fascinada por la música, frecuentaba los campamentos gitanos, escapándose en plena noche, a escondidas: «Nunca me pillaron», confesó en cierta ocasión.

«Al principio mis padres no confiaban en que estuviera todo el tiempo con los gitanos. Así que me castigaron a no salir, lo que me obligó a salir por la ventana de mi habitación para encontrarme con ellos en la fogata. Tenía unos 14 años. Luego, cuando mis padres comprendieron que nada me iba a detener, se interesaron por la música y se enamoraron de la comunidad gitana al igual que yo».

Inclinación musical que latía en su espíritu aún antes, con apenas seis años:

«Mi hermana menor Lionell y yo cogíamos una de las guitarras y nos vestíamos como vagabundas y nos íbamos a la calle, fingíamos que éramos pobres y pedíamos dinero».

Así nació su deseo de hacerse cantante, primero el jazz manouche a través de los discos de Django, en especial el clásico “Sweet Sue” que el apodo con el que la llamaban sus amigos manouches… hasta que un día alguien le regaló un estuche con cuatro cedés de Ella Fitzgerald: «Cuando escuché su scatting, me enamoró por completo. Fue la improvisación lo que me hizo querer cantar; por eso amo el jazz!»

Su madre la apuntó a clases de canto en Avon, una localidad cercana, con un profesor que no fueron de ningún provecho y abandonó pronto Al acabar la escuela secundaria se trasladó a París, estudió en la Escuela Americana de Música Moderna y a los 19 años envió un video al programa Star Academy (programa de la televisión francesa similar a Operación triunfo). Fue una de las 16 finalistas entre los más de 5.000 solicitantes, pero justo antes de que saliera al aire el primer programa, le dijeron que firmara un contrato restrictivo que fijaba las canciones podía interpretar. Como no podría cantar jazz, Aimée se negó, generando una gran controversia mediática.

Después, durante unas vacaciones en Santo Domingo conoció a un famoso pianista local que le propuso que viviese en su casa junto a su familia para colaborar juntos. Pero el asunto no llegó a más… Decidida a seguir su carrera como cantante, abandonó Francia y puso su mirada en Estados Unidos…

Dos. Nueva York: la ciudad de la locura

Solicitó plaza en dos conservatorios de prestigio: Berklee en Boston y Purchase College en el estado de Nueva York:

«En ambos me aceptaron pero elegí SUNY Purchase porque era mucho menos costoso. Allí estudié jazz durante cuatro años. Aprendí mucho e hice un grupo de amigos músicos con los que comencé a dar conciertos. ¡Yo era la única chica y la única cantante de la escuela! Allí evolucioné de la misma manera que lo haría un instrumentista».

Entre los músicos que conoció estaba el teclista Assaf Gleizner y el trompetista Wayne Tucker, con quienes trabajaría repetidamente en los años siguientes.

No tardó en asentarse y, al cabo, consiguió conciertos regulares en clubes de la Gran Manzana, entre ellos Smalls… Pero su primera gran oportunidad llegó en llegó en Europa en 2007, al ganar el concurso vocal de jazz del Festival de Jazz de Montreux. El premio incluía financiación y tiempo de estudio para una grabación, y el resultado fue su debut discográfico: Cyrille Aimée and The Surreal Band (2008)

«Convencí a algunos de mis amigos músicos para que hicieran un viaje de mochilero a Europa en 2006 y tocamos en las calles de las ciudades que visitamos. Volvimos de nuevo en el verano de 2007, pero esa vez decidimos contactar con festivales de jazz y ver si podíamos tocar a cambio de un lugar donde quedarnos y comida. También me arriesgué y participé en el concurso de Montreux, que me permitió realizar mi primera grabación».

Pero también hubo algunos otros concursos de canto:

«Gané algunos, pero están en los que fracasé y esos son los que me permitieron evolucionar. Aprendí más de ellos que de los que gané. Siempre hay que correr riesgos.

Entre los fracasos está su primera participación en la Noche de los Amateurs del célebre Apollo Theatre de Harlem donde recibió un sonoro abucheo nada más abrir la boca:

«Canté una estrofa entera mientras la gente me abucheaba. Luego olvidé las palabras, así que ahí estaba yo con la mano en el aire, diciendo “¡Dadme una oportunidad!” El lema del Apollo reza “Sé bueno o te largas”. Eso puede tener dos efectos. ¡O te rindes o te hace más fuerte! ¡Sé que nunca me puede pasar nada tan malo como eso! Regresé unos meses después. Esa vez, ataqué desde el principio y quedé en primer lugar».

Pronto todo comenzó a ir viento en popa: Grabó el álbum Smile (2009) a dúo con el guitarrista brasileño Diego Figueiredo, al que siguió Live At Smalls (Smalls Live, 2010) que contó con el trompetista Roy Hargrove, el saxofonista tenor Joel Frahm y el pianista Spike Wilner. Ese mismo año quedó tercera en el prestigioso Concurso Vocal Internacional del Instituto Thelonious Monk de Jazz, publicó otro álbum a dúo con Figueiredo, Just The Two Of Us (Venus) y en 2012 ganó el Concurso Internacional Vocal de Jazz Sarah Vaughan.

Firmó con Mack Avenue Records debutando con el álbum It’s A Good Day (2014), álbum que considera luminoso como el sol en contraposición con el siguiente, Let’s Get Lost (2016) que sería como la luna.

Pero antes, en noviembre de 2013, y a raíz de su participación en el musical A Bed and a Chair: A New York Love Affair descubrió su amor por la música de Sodheim:

«Descubrí Sondheim cuando hice ese espectáculo con Bernadette Peters… Y después de esa experiencia, pensé: ‘Vaya, quiero profundizar en su repertorio’. Terminé incluyendo una de esas canciones, “Live Alone And Like It”, en mi disco Let’s Get Lost, pero quería hacer más versiones… Las canciones de Sondheim me atraparon. Son muy actuales, muy modernas y es fácil identificarse con ellas. Me pareció muy extraño que los músicos de jazz no tocaran más sus canciones, ya que son melódicamente increíbles y muy ricas en armonía… Sabía que una de las cosas que quería hacer en algún momento era grabar un álbum completo de canciones de Sondheim».

Y el sueño se plasmó en Move On: A Sondheim Adventures (Mack Avenue, 2019) para el que contó con la colaboración del pianista Assaf Gleizner tanto para la elección de la instrumentación específica para cada canción como en la del amplio elenco de músicos que participarían (véase apartado Discografía esencial)

«La idea era evitar la trampa en la que se en la que puede caer cuando se intenta animar canciones de teatro musical tomando la canción y haciéndola swing. Nos preguntamos: ‘¿Imaginémonos lo que haría con una de esas canciones alguien como Dexter para un disco junto a Kenny Drew? Eso era más o menos lo que estábamos buscando».

Entre algunas otras de sus experiencias esenciales en Nueva York cabe señalar los consejos de Bobby  McFerrin, del que recibió algunas clases. Le preguntó por qué cosas le diría a un cantante y le dijo: «Cantar, siempre cantar, cuando estés caminando cantas, cuando estés en la ducha, cantas… Él canta todo el tiempo».

Tres. New Orleans: ciudad de mi alma, de mi corazón. Muchos colores.

En el cenit de su éxito en Nueva York, la búsqueda de nuevos horizontes la empujaron a buscar una mayor interacción entre espontaneidad y creatividad y tras una visita a Nueva Orleans quedó fascinada y decidió hacerla su nuevo hogar en 2017. Su singular escena musical mezcla de herencias jazzísticas  latinas, francesa y afroamericana le permitió explorar más a fondo aspectos de su propia identidad musical, liberándola de sobras para mirar más allá de las limitaciones del género y conectarse con su propia creatividad interna.

«La música es una parte vital de la vida aquí. Es una parte necesaria de la vida en Nueva Orleans, como comer y dormir. Hay una emoción profunda en la música que se transmite muy fuerte. Y es el mismo sentimiento que tuve cuando canté con los gitanos en el Festival Django en Francia».

Un nuevo hogar y nuevos horizontes, otros sueños cumplidos:

«No tuve problemas para conectar con los músicos locales. Realmente hay mucha energía en la escena musical. He estado actuando en diferentes clubes y también inicié una serie mensual aquí en un club llamado SideBar. Esta noche tocaré a dúo con el trompetista Nicholas Payton y nos reuniremos esta tarde para ensayar».

La actuación fue bien, Payton, alternando entre Fender Rhodes, trompeta y bajo acústico, acompañó la voz de Aimée para una multitud que llenó por completo el pequeño club y había gente en las calle escuchando. Interpretaron clàsicos como “After You’ve Gone”, “All Of Me” y “How Deep Is The Ocean?” con un enfoque fresco y vivaz, con abundantes scats por parte de Cyrille y potentes solos de  Payton. En el segundo pase Aimée utilizó un looper para grabar pistas vocales, reproducirlas y cantar sobre ellas mientras Payton creaba un ritmo funk que puso de pie a la audiencia.

«Cyrille es una música completa. Lo que hace con el looper es entretenido, claro, pero el hecho de que escuche todas las partes orquestalmente es muy brillante. También es una verdadera improvisadora, algo poco común hoy en día. Su velocidad de procesamiento es rápida, por lo que cuando escucha algo, puede aprovecharlo y llevarlo a otro nivel al instante». Nicholas Payton.

Y fue Payton quien le facilitó la posibilidad de grabar el álbum Adonis Rose and the New Orleans Jazz Orchestra feat. Cyrille Aimee: Petite Fleur (Storyville, 2021) con la orquesta dirigida por el batería Adonis Rose y un repertorio de clásicos como What Are You Doing the Rest of Your Life, Si Tu Savais, I Don’t Hurt Anymore, In the , Land of the Beginning Again, Crazy He Calls Me, On a Clear Day, Get the Bucket, Undecided, Down o Petite Fleur, emotiva composición von letra de Claude Luter y música del legendario clarinetista y saxofonista Sidney Bechet que da título al álbum.

Y cuatro. Senderos de futuro

Plena de energía y cargada de nuevos sueños, en 2021 compró un terreno en los bosques de Costa Rica, diseñó y construyó una casa, y allí, en la calma del bosque, comenzó a armar material para un nuevo proyecto: canciones sacadas de su propia vida, abarcando cada aspecto de su viaje que vertió en á Fleur de Peau.

Y seguro que ahora, esta noche en Clasijazz, o mañana, o a lo largo de la extensa gira de presentación de su reciente álbum nuevos sueños poblaran su espíritu, nuevos mensajes musicales.

Cyrille parle:

«¡Me dejó alucinada! Aprendí cada nota de esos 4 álbumes [de Ella Fitzgerald] y ese era mi objetivo, sólo quería ir a Estados Unidos para aprender este repertorio, simplemente sumergirme en él»

«Para ganarte el respeto, debes respetarte a ti misma y comienza boorando de tu vocabulario cosas como “No tocas un instrumento, solo eres un cantante”. Tocas un instrumento, tocas el instrumento más hermoso. Tú tocas la voz, entonces eres un instrumentista».

«Lo más importante es bailar. Si bailas, tu cuerpo siente el ritmo, entonces cualquier cosa que salga de tu cuerpo es algo que hace que la gente quiera bailar. El cuerpo es nuestro instrumento. Si no siento el movimiento oscilante en mi cuerpo entonces significa que algo anda mal».

«He evolucionado mucho en el escenario y en la música, he grabado unos 14 discos y cada uno es muy diferente… Me pregunto, ¿qué no he hecho? y afronto el reto y me pongo a ello… Me gusta estar siempre buscando como puedo crecer»

«Me gusta mucho tocar a dúo… La conexión es muy íntima y no hay que pensar mucho en cómo vamos a empezar, como vamos a terminar. No hay arreglos. No hay que hacer muchos arreglos porque somos dos, solo dos. Uno se sigue al otro y hay mucha confianza en ese formato… Es como si escribiésemos una historia en ese momento… Me gusta llegar al escenario sin saber que va a pasar y utilizar las canciones como mapas para llegar, pero sin saber ni cómo llegaremos al final de la canción, ni cómo vamos a contar esa historia»

«Para mí, el jazz no es un estilo de música, es una manera de tocar todos los estilos. Si ves mi discografía, verás música de todo tipo: música brasileña, música francesa, gitana, música latina y música americana; pero todo lo toco con mucha improvisación y eso para mí es el jazz… ¿La situación del jazz. bien, ¿quién soy yo para decir cuál es su estado? Es muy diferente en cada país, es una categoría muy amplia. O sea, hay muchas cosas que se dicen jazz, pero en realidad es porque son fusiones de muchos otros estilos de música, y el jazz da como esa libertad de poder hacer lo que quieras».

«Siento que el futuro del jazz va a ser muy lindo, porque el jazz es una música que se escucha en vivo y durante la pandemia, la gente no pudo escuchar ninguna música en vivo y creo que cuando ya vayamos a poder reunirnos todos, estar en un escenario, improvisar, y la energía del jazz va a ser muy lindo. O sea, sí, yo creo que sí, soy muy optimista».

«Ten presente siempre lo que haces y lo que dices porque influye en quien te rodea, a todo el mundo… Intenta ser siempre la mejor versión de ti misma… Cada día».

Discografía esencial

Los discos son la plasmación física de los sueños de cualquier músico, la radiografía de un momento concreto de su vida

Referencias

El material sobre la vida y obra musical de Cyrille Aimée es abundante. Se han consultado numerosas reseñas de publicaciones especializadas online, entre otras, All About Jazz, All Music, London Jazz News, DownBeat o Jazz Magazine. También se han consultados entradas en Wikipedia, la web y facebook de la propia Aímée, el Bandcamp del álbum à Fleur de Peau… Así como otros documentos informátivos de los músicos que la acompañan en esta ocasión.

Reseño los de mayor interés por si el lector desea ampliar información, la mayoría entrevistas, por mostrar con mayor relevancia su singular personalidad.

Y un aviso, por si alguien se anima, urge una obra —monografía, verbi gracia— de conjunto que bien podría titularse igual que el encabezamiento de este texto. Me ofrecería gustoso —y lo ando cavilando— de no ser por la contumaz molicie que me abrasa.

• “Una mujer para amar en tres idiomas”. Classicalite, Mike Greenblatt (29. 01, 2016).
• “Cyrille Aimée fusionará espíritus gitanos y de jazz en un espectáculo en Santa Cruz”, Andrés Gilbert, SF Gate (26.02.2014).
• “Interview Cyrille Aimée”, Marc Myers, Jazz Waw (30.11.2021).
• “[Interview] Cyrille Aimée”, Al Clapper, Text and the City (Podcast), (20.07.2020).
• “Learning From Cyrille Aimée: A Singer In Body, A Gypsy In Soul”, Sanat Deliorman, Jazz Dergisi (24.05.2017).
• “Con una voz atemporal, Cyrille Aimée revitaliza los clásicos en Let’s Get Lost”, Ron Hart, Observer (23.12.2016)
• “Cyrille Aimée (New Album Let’s get Lost and Tour Dates in France in April)”, London Jazz News (4 de abril 2016).
• Interview / Preview: Cyrille Aimée at Ronnie Scott’s (April 29)”, London Jazz News (22.04.2015).
• “Jazz en Dominicana. Series Entrevistas. Cyrille Aimée”, Fernando Rodríguez de Mondesert (22, 24 y 26 junio 2021).
• “Cyrille Aimée’s Rekindled Energy”, Terry Perkins, Downbeat (1, mayo, 2019).

Compañeros de viaje

Para esta ocasión se ha rodeado de fieles y avezados compañeros de aventura, el pianista francés Carl-Henri Morisett, el bajista italiano Matteo Bortone y el portugués Pedro Segundo a la batería.

Carl-Henri Morisset (piano)

Carl-Henri Morisett (Seine-et-Marne, Francia, 1993). Comenzó a tocar el piano a los 8 años. En 2011 completó su formación musical profesional en el Conservatorio de Val Maubué. Al años siguiente ingresó en el Conservatorio Superior de Música de París donde se licenció en 2014 con honores. Estudió con Pierre de Bethmann, Hervé Sellin, Riccardo del Fra, Glenn Ferris y Dré Pallemaerts.

Terminada su formación reglada en 2014, inició una intensa actividad profesional presentándose con regularidad con diversas formaciones. Es miembro del quinteto del contrabajista Riccardo Del Fra con quien ha actuado en varios escenarios europeos. Forma parte además de formaciones del legendario saxofonista Archie Shepp como Attica Blues Big Band o Archie Shepp Quartet y desde 2015 es miembro del cuarteto colectivo H!, integrado además por compañeros del Conservatorio Superior de Música de París —Bastien Weeger, Elie Martin-Charrière y Etienne Renard— y con el que ha recorrido diferentes escenarios europeos.

A lo largo de su carrera profesional ha compartido escenario con destacados jazzmen, entre otros, Archie Shepp, Ricky Ford, Riccardo Del Fra, Pierrick Pédron, Steve McCraven, Reggie Washington, Darryl Hall, Daniel Humair, Eddie Gomez, Larry Grenadier, Eddie Henderson o Bobby Few.

Ha actuado en numerosos y diversos escenarios como Guimarães Jazz Festival, Le Toucy Jazz festival, Berlin Jazz Festival, Bimhuis, Théâtre du Châtelet, Jazz à la Vilette o Panama Jazz Festival, entre otros.

Ha colaborado en celebrados álbumes de artistas como con el saxo alto Pierrick Pédron: Unknown (Fo Feo Productions, 2017), con el trío del contrabajista Thomas Bramiere: Side Stories (Jazz Eleven, 2018) y con el septeto del bajista Riccardo Del Fra en Moving People (Parco della Musica, 2019)

En septiembre de 2023 publicó a su nombre Dispersion Individual (Paradis Improvisé, 2023), a piano solo y en elque incluye 4 temas originales —Chaos Teory, Ultrasons, Child Time y Chaos Teory (bis)— y seis creativas lecturas de composiciones como Lulu’s Back in Town (Fats Waller), A Ninghtingale Sang in Berkkely Square (Manning Sherwin),  Fire Waltz (Mal Waldron)  God Bless the Child (Arthur Herzog, Billie Holiday) y Fenomen Tabou (Yves Aabel,Yves Joseph).

Matteo Bortone (contrabajo, bajo)

Matteo Bortone (Otranto, Italia, 1982). Inició su andadura musical con el piano, continuando luego con la guitarra, el bajo eléctrico y finalmente el contrabajo. Tras licenciarse en Ciencias del Turismo en Milán en 2005, se trasladó a París donde tuvo la oportunidad de estudiar en uno de los conservatorios europeos más prestigiosos, Conservatorio Nacionale Superiore de Música, donde realizó un máster en “Jazz y música improvisada” en 2011.

Completó su formación siguiendo los seminarios de verano de Siena Jazz donde obtuvo dos becas: la primera, en 2007, para participar en los seminarios del año siguiente y la segunda, en la edición de 2008, en la que fue seleccionado para representar a Siena Jazz e Italia en la 19ª IASJ (International Association of Schools of Jazz) dirigida por David Liebman.

Aunque nacido en Otranto se educó musicalmente en París, con una formación anclada en el jazz pero también en el pop y el rock, que le han permitido labrarse un nombre destacado en la escena jazzística y no sólo como bajista sino también como compositor y líder de banda, en especial tras haber sido elegido “Top Jazz Mejor Nuevo Talento Italiano 2015” por los periodistas de la revista especializada italiana Musica Jazz.

Durante sus años en Francia, tuvo ocasión de tocar con varios grupos con los que recibió señalados premios como el primer premio en los concursos REZZO (Jazz à Vienne 2008) y Les Trophées du Sunside 2008 (París).

Ha colaborado con un amplio abanico de destacados artistas como el guitarrista Kurt Rosenwinkel, el percusionista Leon Parker (Inception Trio), el saxofonista Ben Wendel, el pianista armenio Tigran Hamasyan, el trompetista Ralph Alessi o las cantantes Anne Drucros y Cyrille AImée.

Colabora regularmente con numerosas bandas italianas y francesas como el cuarteto de Roberto Gatto, el quinteto de Maurizio Giammarco, el trío de Alessandro Lanzoni, el proyecto de música y danza Una Crepa junto a la bailarina Lucia Guarino, el sexteto europeo ABHRA de Julien Pontvianne o el cuarteto del batería Enrico Morello.

Como líder dirige grupos como el quinteto eléctrico franco-italiano No Land’s, el trío acústico ClarOscuro, o el reciente trío SINER.

No Land’s creado en 2008 —primero como cuarteto con el nombre de Travelers y aumentado luego a quinteto en su actual denominación— es un combo franco-italiano que busca explorar los límites entre el jazz contemporáneo y la música rock/pop con un repertorio original donde lo eléctrico y lo acústico se entrelazan a través de un lenguaje tejido de contrastes y diálogos y composiciones cargadas de sutiles cambios rítmicos y empáticas improvisaciones. La banda ha publicado tres álbumes, dos bajo la firma de Travelers: el homónimo Travelers (Zona di Musica, 2013), Time Image (Auand, 2015) y ya como No Land’s, No Land’s (Auand, 2019), elogiados por la prensa especializada —Revelation Jazzman, Jazz Découvert en Francia o Jazz Likes It en Italia. Junto a Bortone —bajo, composición y electrónica— completan el combo los saxofonistas Antonin-Tri Hoang o Julien Pontvianne , el guitarrista Benjamin Garson, el teclista Yannick Lestra y Ariel Tessier a la batería y han realizado extensas giras por Italia, Bélgica, Francia, Reino Unido, Países Bajos, Taiwán y China.

ClarOscuro —trío junto al pianista Enrico Zanisis y el batería Stefano Tamborrino— da vida a una música íntima y delicada a veces, enérgica otras a partir de composiciones propias que exploran y buscan un acercamiento maleable al groove y a la pulsión a través de la interacción y la escucha recíproca. El trío publicó el álbum homónimo ClarOscuro (CAM Jazz, 2018).

SINER —que toma el nombre de la combinación de dos palabras (Sin, ‘sin’ español y Er, aire), a la par que anagrama de Siren— es un trío italiano formado en 2020 como proyecto colectivo de la vocalista Ludovica Manzo, el propio Bortone y el teclista Giulio Stermieri, vinculados al jazz contemporáneo, la música experimental con ecos del pop/rock y con el que escenifican composiciones teñidas de matices oníricos y variados estados de ánimo que van desde lo nocturno a lo onírico, universos submarinos con letras conmovedoras que revelan infinidad de imágenes que exploran el enigma de la naturaleza con un lenguaje sonoro que bordea lo cinematográfico.

Bertone, al margen de sus actuaciones regulares en Italia y Francia, se ha presentado en numerosos países, entre otros, España, Portugal, Noruega, Reino Unido, Irlanda, Malta, Alemania, Bélgica, China, Estados Unidos o Corea del Sur.

Pedro Segundo (batería)

Pedro Segundo (Lisboa, 1988). A los ocho años comenzó a tocar la batería. Completó su formación en el Conservatório de Música, de Dança e de Arte Dramática de Lisboa donde estudió con los timbalistas y percusionistas clásicos Carlos Voss y Carlos Girao. Su pasión y dedicación por el jazz se desarrolló mientras asistía a la prestigiosa Escuela de Verano del Taller de Música de Barcelona, dirigida por los profesores Pablo Posa, Vicens Soler y Riqui Sabatés. Después completó su formación en Guildhall School of Music and Drama de Londres. Durante aquel tiempo ensayaba durante el día y aprendía cada noche de los grandes jazzmen en las sesiones del legendario Ronnie Scott Jazz Club. El club le contrató en 2010 como baterista de la casa del Ronnie Scotts All Stars, ocupando el lugar del gran Chris Dagley, fallecido en julio de ese mismo año.

Su formación ecléctica, mezcla de variedad de lenguajes —góspel, música clásica, jazz y world music—, le permiten una gran versatilidad y afrontar la percusión con un enfoque de singularidad única y personal y le convierten en uno de los bateristas y percusionista más solicitados de la escena internacional.

Encarnación de un proverbial dinamismo, con un estilo de interpretación contagioso y entusiasta en cualquier género, se siente igual de cómodo frente a los timbales de un orquesta clásica como sentado en el sillín de un set de batería de cinco piezas, haciendo que cada objeto que toca sea un canal para su colosal energía musical.

Cualidades que le permiten alternar su habilidad como batería de jazz con la de consumado intérprete del ámbito de la música clásica como manifiestan sus trabajos para prestigiosas orquestas: Academy of St Martin in the Fields, Scottish Chamber Orchestra, Gulbenkian Orchestra y y directores como Edward Gardner, Murray Perahia, Joshua Bell, Sir Colin Davis y Sir John Elliott Gardner.

«El estilo de batería de Segundo combina la excelencia técnica con un sentido teatral y exuda un evidente disfrute al tocar». The Jazz Man.

«Posee un poderoso swing y debe incluirse entre los mejores percusionistas de nuestra escena actual». Jazz Magazine.

Ha colaborado o colabora con destacados artistas de diversas adscripciones estilísticas. Con la cantante galesa Judith Owen con quien ha realizado numerosas giras europeas e internacionales por Europa, Estados Unidos y Australia, así como en el Festival de Jazz de Nueva Orleans o en escenarios o locales como  The Troubador (Los Ángeles) o The Iridium Jazz Club (Nueva York), además de colaborar en su álbum Ebb and Flow (Twanky, 2014)

Con la banda de jazz-soul Kansas Smitty’s House Band, integrada por un amplio elenco de destacados músicos —los saxofonistas Giacomo Smith, Brian Edwards y Ruben Fox, el trompetista Peter Horsfall, el trombonita Theo Cross, Dave Archer (guitarra), Joe Webb (piano), Ferg Ireland (bajo), Pedro Segundo a la batería y percusión y la cantante Leonie Evans— ha participado en numerosas giras y festivales en el Reino Unido y Europa y en los álbumes Kansas Smitty’s House Band (2015), Kansas Smitty’s House Band Live (2016) y Broadway (2018).

Destaca también su trabajo con Velocity Trio, grupo de contagioso funk liderado por el celebrado trombonista británico Dennis Rollins y completado por el organista Ross Stanley (Hammond B3) con frecuentes giras y grabaciones de álbumes, entre otros,  The 11th Gate (Mótema, 2011) o Symbiosis (Dogwithabone, 2015) ampliamente elogiado por la crítica: The Guardian, Financial Times o London Jazz News.

Y como muestra de su filiación con el ámbito de lo clásico valga señalar, entre otras importantes colaboraciones, la gira por países de Asia con la Academy of Saint Martin in the Fields, dirigida por su legendario fundador Sir Neville Marriner.

En 2015 puso en marcha su proyecto como solista, Solo Segundo, con una serie de cuatro conciertos en el London Jazz Festival.

Más reciente en el proyecto Segundo Stanley Hammond Organ Duo que surgió a raíz de una sesión improvisada en el incitante campo de pruebas del sótano del Kansas Smitty’s Bar londinense a dúo junto a su antiguo compañero, el organista Ross Stanley. Como emotiva celebración de diez años de trabajo musical y amistad decidieron grabar el álbum —y su debut discográfico como líder, Live at Kansas Smittty’s (2017), directo que captura el profundo vínculo musical entre ambos que con frecuencia roza lo telepático. Incluye 6 temas, unos originales de los miembros del dúo como el apropiado “Symbiosis”, expresión de la interacción entre ambos con un lenguaje de poderoso hard bop y versiones de clásicos como el conocido “Chega de Saudade” o una ingeniosa reelaboración de “God Only Knows” de los Beach Boys.

Al frente de sus propias formaciones se ha presentado en los más importantes escenarios y locales londinenses: Jazz Café o Shoreditch Town Hall, en el marco del London Jazz Festival, así como en numerosas giras europeas.

Solicitado educador ha impartido seminarios y masterclass en diferentes centros, entre otras, en el departamento de Jazz and Percusion de Guildhall School Of Music And Drama.

© José Santiago Lardón Santi (marzo, 2024)