Belén Bandera (voz) Jaume Llombart (guitarra) Bori Albero (contrabajo)

Por of Spain, viernes, 9 de junio de 2023. 22:30 H

Empático trío

Belén Bandera, una de las voces más activas, destacadas y originales de la escena nacional, y el versátil y creativo guitarrista Jaume Llombart han compartido escenario en diversas ocasiones: un par de giras por las islas Canarias, conciertos a lo largo de la geografía nacional y un estreno en el Voll-Dam Festival Internacional de Jazz de Barcelona.

En esta ocasión contarán con el esencial e impetuoso contrabajista Bori Albero para ofrecer una velada musical íntima y empática que parte de la tradición jazzística y propone arreglos casi camerísticos con una sonoridad muy rica y personal.

Clásicos del jazz y composiciones originales para una cita ineludible cargada de sensibilidades que dejaran profundo poso en el alma de los espectadores.

Belén Bandera (voz)

Belén Bandera (Premià de Mar, Barcelona, 1994). Compositora, cantante y pianista estableció una estrecha relación con la música ya desde su más temprana infancia, cuando sus aspiraciones eran aún demasiado inocentes para ser articuladas. A los ocho años inició los estudios musicales de piano clásico con Montse Massaguer en la Escola Municipal de Música de Premià de Mar, donde estudió el Grado Medio, cuatro años de violín, solfeo y armonía clásicos, y participó también en diferentes formaciones corales, orquestales, de cámara y de big band.

En su temprana juventud continuó sus estudios en la Escola de Música Moderna de Badalona y el Conservatori Professional de Badalona. Continuó su formación pianística en el ámbito del jazz estudiando con Albert Bover y Roger Mas, a la par que comenzó a estudiar canto moderno y jazz con Juliane Heinemann.

Su espíritu indómito y aventurero la llevó a compaginar su formación musical con largos y asiduos viajes recorriendo la práctica totalidad de Europa, visitando todos los clubes de jazz posibles, descubriendo escenas musicales de multitud de ciudades y tocando en pianos encontrados en diversos lugares lo que le permitieron en ocasiones la continuidad del viaje. Leía con avidez sobre los lugares visitado y escribía música inspirada en ellos y de este modo soñó y se construyó un gran tour a la par que contribuyó a la expansión de su imaginario creativo que le aportó portentosas experiencias.

A los veinte años se trasladó a Barcelona para sumergirse en la escena jazzística de la ciudad y recibió una beca de la AIE (Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes de España) para ampliar su formación en el  Taller de Músics de Barcelona. A lo largo de los siguientes años continuó su formación en canto con Mayte Alguacil, Sabina Witt y Diana Palau y emprendió la formación de arreglos orquestales de big band con el maestro Sergi Vergés. Fue durante esta época cuando inspirada por sus viajes e innumerables periplos, emprendió la labor de creación de la que será su primera obra discográfica Origins (publicada posteriormente gracias a mecenazgo privado y a una beca a la creación concedida por la SGAE, enero 2020).

Ingresó en el Conservatori Superior de Música del Liceu de Barcelona donde estudió interpretación en la modalidad de jazz vocal teniendo la oportunidad de aprender de maestros y voces de gran experiencia como Carme Canela, Alex Dee, Celeste Alías, Horacio Fumero, David Mengual, Pablo Selnik, Daniel Pérez, Giulia Valle, Benjamin Davies o Ramon Humet.

Durante este periodo empezó a componer a diario, emprendiendo a modo de metaviaje el reto compositivo que llevará a cabo en su día Toni Vaquer: escribir una canción al día. De parte de ese material generado —unas 200 canciones en siete meses— nació BAMBOO, Nature’s Calligraphy; un concierto para voz y ensamble orquestal inspirado en la naturaleza y estrenado como concierto recital de fin de estudios, siendo interpretado por un elenco de 17 músicos excepcionales y reconocidos en el Auditori del Conservatori Superior del Liceu de Barcelona. Y que en mayo de 2023 vio la luz en forma de álbum publicado por el sello Microscopi.

Además ha completado  su formación en diversos seminarios y clases magistrales, estudiando y compartiendo experiencias musicales con referencias absolutas como Maria Schneider, Deborah Carter, Dena DeRose, Michael Kanan, Joey Baron, Steve Cardenas, Doug Weiss, Scott Hamilton, David Mitchell, Lionel Loueke, Jo Krause, Lluís Vergés o Joan Albert Amargós, entre otros.

Algunos de los seminarios a los que ha asistido: Seminario de Jazz de Benicàssim (2017); Seminario de Dirección para Big Band impartido por Clasijazz y la Universidad de Almería (2018); Begues Jazz Camp (2019); Seminari de free en el marco del Festival Montmusic de free i noves músiques al Montseny (2020); Curso songwriting impartido por Miqui Puig para el que fue becada por la Fundació Ferrer-Salat(2021); Filmscoring, composición para bandas sonoras: cuerdas impartido por El Musical Conservatori de Bellaterra (2022).

Entre sus proyectos musicales más recientes destacan el dúo junto al pianista Albert Bover (desde 2018 hasta la actualidad), Belén Bandera Quartet con el que ha grabado y presentado su álbum Origins en diversos lugares de Cataluña y Aragón, proyecto de trío con la guitarrista Carla Motis y los bajistas Horacio Fumero y Masa Kamaguchi con el que se ha presentado a lo largo de la geografía nacional y en dos ediciones consecutivas del Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona (2021 y 2022). Dúo con el guitarrista Jaume Llombart con quien ha realizado conciertos nacionales, entre ellas dos giras por las Islas Canarias, y actuado en el Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona (2022). Cuarteto para el final de tiempos junto al flautista Pablo Selnik, la cantante y flautista Yexza Lara y el guitarrista Jaume Llombart y con el que han actuado en numerosos escenarios nacionales.

Y en un futuro inmediato Belén Bandera Ensemble con el que presentará su reciente obra Bamboo, Nature’s Caligraphy.

Además ha realizado diversos encargos y grabaciones, entre otros, grabación de voz para la banda sonora del cortometraje Tu último día en la tierra (2018) de Marc Martínez Jordan, presentado en numerosos festivales nacionales e internacionales y galardonado de varios premios; voz para la banda sonora de Carla  Motis para el documental de Jesús Garcés El sueño de Sigena estrenado en cines nacionales en 2022; arreglos de varios movimientos del Cascanueces de Chaikovski para una representación innovadora adaptada al lenguaje jazzístico y en escena en el Gran Teatre del Liceu (temporadas 2021/2022-2023)

Fue selecciona a dúo junto a la guitarrista Carla Motis para el concurso de Juventudes Musicales España (diciembre 2020).

Posee una dilatada experiencia de una década como docente, tanto a nivel particular como en diferentes escuelas de música y masterclasses.

Artista polifacética, al modo humanístico, en gran medida a su amplia formación en otros campos al margen del musical: bachillerato en bellas artes (Escola d’Art i Superior de Disseny Pau Gargallo), diversos cursos de creación literaria (Escola d’Escriptura Ateneu Barcelonés) y un primer curso del Grado en Comunicación (Universitat Oberta de  Catalunya).

*

Origins (Tushita Edicions, 2020), su debut discográfico, es una fiel carta de presentación de su ideario musical y vital plasmado en un hermoso disco libro en el que a través de diez composiciones originales evoca las experiencias viajeras que las hicieron posibles. Música pero también cuaderno de bitácora que incluye dibujos, fotografías y textos que complementan cada una de las canciones y que hacen referencia a los diversos lugares que sirvieron de inspiración: “Origenes” (de aires andaluces), That’s Insane! (Europa Occidental), Baltic Sunset (Báltico), Spring Without You (Italia), Confessió d’un desig meu (a la esencia viajera), Out of Time (a los no lugares), Quàntums de llum (…), Bata Garà Kontum (Barcelona) o A Monster Outside the Closet (Premià de Mar, su ciudad natal).

Escrito y arreglado para cuarteto contó con la colaboración de jóvenes y distinguidos músicos de la escena catalana: el pianista Arnau Pallarols, la contrabajista y vocalista Carla González y el batería Enric Foster y la colaboración especial de la cantante y trombonista Rita Payés, el pianista Alber Bover y el guitarrista Joel Moreno Codinachs.

El álbum —grabado en Medusa Estudio en marzo de 2019 y solo disponible en formato físico—, fue realizado gracias al micro mecenazgo y contó con una ayuda a la creación de la SGAE.

Ha recibido excelentes reseñas críticas, entre ellas la de Fernando Neira en su blog Un disco al día:

«Esto de Belén Bandera no es solo un LP de debut, sino una soberana osadía. El gusto por el formato primoroso, el continente en concordancia con el contenido, para un «Origins» que no podrás escuchar en su integridad por cauces digitales».

En Bamboo, Nature’s Calligraphy (Microscopi, 2023), su segundo trabajo discográfico, contó con un ensemble orquestal integrado por 21 reconocidos músicos. Ideado a modo de concierto para voz y orquesta incluye 17 composiciones originales agrupadas en una obertura y cinco paisajes sonoros: Obertura (El pozo de los deseos, El viento  canta y el mar nos llama); Arbre (Acte I, Acte II); Bamboo (Ni besos, ni dramas); The Landscape of Fear (Mov. I The Predator, Mov. II In and Out, Mov. III Trophos, Mov. IV Hic et nunc, El pou etern); La línea de Kárman (Mov. I Postal, Mov. II Milonga de fuego, Mov. III El espacio exterior) y Aedes Aegypti (Mov. I Flirtation, Mov. II Them, Mov. III We are Eros).

Música conceptual inspirada en la naturaleza y en diversos fenómenos de la biología y canciones cantadas en catalán, castellano e inglés y para la que toma a modo de analogía al bambú:

«El bambú se toma su tiempo para construir raíces, pareciendo a superficiales ojos que no invierte en crecimiento alguno; después brota de pronto y crece alto, impetuoso y flexible para que el viento no lo tumbe… una obertura y cinco paisajes sonoros inspirados en la naturaleza que nos recuerdan la fortaleza de seguir soñando y luchando por lo que realmente importa».

El álbum es fruto de su intensa labor compositiva: en 2021 y durante siete meses escribió una canción al día a lo largo de 7 meses que sumaron más de 200 canciones de las que seleccionó 17.

Con música, letra y arreglos de Belén Bandera contó para la grabación contó con un elenco de destacados músicos: Pablo Selnik (flauta, voz), Oscar Latorre (trompeta, fiscrono), Santi de la Rubia (saxo tenor y soprano), Jordi Guasp (trompa), Rita Payés (trombón, voz), Pau Domènech (clarinete bajo), Carlos Monfort (violín), Ana Fernández (violín), Miquel Córdoba (viola), Marçal Ayats (cello), Jaume Llombart (guitarra), Carla Motis (guitarra) Albert Bover (piano), David Mengual (contrabajo) y Joe Smith (batería)

Jaume Llombart (guitarra)

Jaume Llombart Jorba (Igualada, Barcelona, 1980). Inició sus estudios musicales en 1986, a la edad de 6 años, en la Escuela Municipal de Música de Igualada, donde cursó el grado medio en la especialidad de guitarra clásica, recibiendo también clases de flauta travesera, trombón y piano.

A los 15 años comenzó a interesarse por el jazz, participando en los seminarios de verano que la Escuela de Música de Igualada comenzó a organizar. Su creciente interés por el jazz le llevó a seguir clases de 3×4 en el Taller de Músics de Barcelona donde estudia guitarra eléctrica y armonía moderna con Javier Juanco, Marcelino Galán, Llorenç Ametller, comenzando a tocar en diferentes proyectos musicales de estilos diversos. En los años 1999 y 2000 participó en el conocido seminario del Palau de la Música de Valencia (Sedaví) donde recibió clases de músicos como Kurt Rosenwinkel, Mark Turner, Nasheet Waits, Ben Street, Bruce Barth, Perico Sambeat y Pat Metheny, entre otros.

A los veinte años ingresó en la Escuala Superior de Música de Cataluña (Esmuc), primera promoción del centro, donde siguió los estudios en la especialidad de guitarra jazz, recibiendo clases del instrumento con Marteen Van der Grintten, Jose Luis Gámez y Daniel Pérez. Además y entre otras muchas asignaturas, estudió piano con Lluís Vidal y Elisabeth Raspall, armonía con Lluís Vergés, improvisación con Agustí Fernández y Gary Willis y combo con Joan Monné, Eladio Reinón y Lluís Vidal. Sigue pequeños seminarios y/o masterclass con Dave Douglas, Kenny Werner, Jesse Van Ruler, Hein van der Gein, Álvaro Is, entre otros. A raíz del proyecto final de carrera en la Esmuc, creó un septeto con música y arreglos propios que combina el jazz con ritmos africanos.

Desde el año 2000 reside en Barcelona donde empezó a tocar con diversas formaciones, entre otras, la cobla orquesta internacional Nocturna, el grupo de jazz rock Happy House (con David González, Daniel Domínguez y Albert Cirera) con el que obtuvo el primer premio del concurso de jazz de Copons, que consistía en la grabación de un disco y su edición por el sello Fresh Sound New Talent. Además lideró el trío Trilogía (con Guillem Arnedo y Joan Motera) y el Jaume Llombart Quinteto (con Eladio Reinón, Jordi Berni, Bori Albero y Xavi Hinojosa), así como el Quinteto (con Ion Robles, Juanma Nieto, Roger Mas y Bori Albero), grupos con los que recorrió buena parte del circuito catalán de salas y festivales de jazz como los de Bañolas o Tarrasa.

Además es colaborador habitual de las más relevantes figuras del jazz nacional e internacional, entre otras, Jorge Rossy, Enrique Oliver, Marco Mezquida, Ernesto Aurignac, Roger Mas, Dee Jay Foster, Felix Rossy, Joe Smith, Bill McHenry, Eladio Reinón, Christian Coxholt, Silvia Pérez, Laia Cagigal, Celeste Alías, Juanma Nieto, Orquesta BCN 216, Jordi Matas, Santi de la Rubia, Xavi Hinojosa, Guillermo McGill, Dmitri Skidanov, Dani Domínguez o Jordi Berni.

Músico versátil y creativo es muy solicitado para importantes proyectos entre los que cabe señalar sus colaboraciones en álbumes como Roger Mas Quintet, Mason (Fresh Sound New Talent); la Asociación Libre Orkesta dirigida por Joe Smith, ALO (Festina Lente Records); Eladio Reinón Quartet, Trencadís (Jazztones) y A flor de piel (Jazztones, 2012); Guillem Arnedo Band & Celeste Alías, Let’s Sing Again (Swit Records, 2014); Ernesto Aurignac, Anunnakis (Fresh Sound New Talent, 2015) y Uno (Moskito, 2015); Sergi Sirvent, Inferencies (Fresh Sound New Talent); la formación Amomg 3, Among 3 (Fresh Sound New Talent, 2006), José Carra, Verso (Romero Music, 2016) y destacable fue su participación en el álbum del saxofonista Chris Cheek, Saturday Songs (Sunnyde Records, 2016), donde toca el bajo eléctrico y que fue presentado en esta sala. Y celebrados son sus dúos con la cantante Mayte Alguacil o con el gran pianista Marco Mezquida.

Además desarrolla un intensa actividad docente como profesor de guitarra eléctrica, guitarra clásica y armonía moderna en varios centros de música de Cataluña.

En 2011 presentó su nueva formación, Jaume Llombart Sextet, con la que publicó su primer álbum como líder, Live at Robadors 23 (Cd Baby, 2011). Música anclada en las raíces del jazz e interpretada por un inusual conjunto formado por dos guitarras eléctricas, saxo tenor, clarinete bajo, bajo y batería, con una sonoridad potente, compacta a la par que dúctil y sensitiva. Incluye 8 temas, 5 de ellos del propio Llombart y el resto de Bill McHenry, en los que aborda desde el sistema de tres acordes de la escala cromática de Ornette Coleman como en “LA Cromatica” o “Violeta”, baladas, relecturas de clásicos emblemáticos como “¿Qué hay de nuevo?”, hasta blues muy personales.

El último proyecto de Jaume Llombart Sextet es el álbum Magenta (Fresh Sound New Talent, 2015), presentado en esta sala en concierto en octubre de 2015. Incluye 11 temas, 6 de Llombart, 2 de Joe Smith, 1 de Roger Mas y dos standards, “All Blues” de Miles Davis y “Liza” de Gershwin. El sexteto lo integraban el propio Llombart, el también guitarrista Alfred Artigas, el saxo tenor Miguel Villar, Pau Domènech al clarinete bajo, Marc Cuevas al contrabajo y el baterista Joe Smith.

Sobre Llombart y su sexteto la crítica ha escrito: «De la prestigiosa generación Emuc destacan músicos como Jaume Llombart, guitarrista inquieto, interesado en lenguajes poco convencionales, en formas de componer y arreglar próximas a la exploración, en el universo del jazz de vanguardia. Un buen ejemplo lo encontramos en este sexteto de altura, integrado por lo mejor del jazz más subterráneo de nuestra ciudad. Música fibrosa, enigmática, batida por un jazzman conocido por sus destacadas colaboraciones».

«Una instrumentación inusual ofrece un sonido de grupo en el que las jerarquías habituales de solista y ritmo se cambian cuidadosamente. Los dos guitarristas intercambian lugares y roles, mientras que los vientos alternan el acompañamiento de ostinato con excursiones en solitario sorprendentemente efectivas… El mundo musical de Llombart parece extenderse desde el bop-into-cool de la canción principal hasta los márgenes del rock». Brian Morton, Jazz Journal (agosto, 2015)

En enero de 2011 Jaume Llombart fascinado por la música de Thelonious Monk decidió grabar en el estudio Underpool una serie de standards inspirados en las interpretaciones que Monk había realizado. Cinco años después vio la luz la grabación como Jaume Llombart, Solo (Underpool, 2015), álbum en el que se aprecia la influencia de Monk, pero también las relecturas de una tradición que Llombart ejecuta con un lenguaje personal y maduro.

Para la ocasión escribió el también guitarrista y compañero musical Alfred Artigas unas esclarecedoras notas:

«Cuando se habla de un músico y de su respeto por la tradición se está pensando en lenguaje, no en costumbre. La transmisión de los códigos y usos de una música concreta es, en la mayor parte de los casos, una línea discontinua en la que el artista elige uno o varios segmentos para incrustarse como puno de partida. Por encima de los lenguajes hay otra tradición: la de hacer sonar lo mejor posible todo lo que tocas. La de la respiración, la de la generosidad, la de la imaginación, la de la sinceridad. Al fin y al cabo, un metrónomo define un tempo, pero el vaivén acechante de los omoplatos de un guepardo también».

Con el comentario del guitarrista Alfred Artigas a modo de presentación y una dedicatoria a Monk, el álbum incluye diez clásicos, pero ninguno escrita por el legendario pianista aunque sí los había interpretado y hechos propios. Por eso huele a Monk, sabe a Monk, aunque no haya piano ni sean sus más emblemáticas canciones.

Y otra reseña, ahora de Jesús Mateu Rosselló, en Tomajazz, 25 de febrero de 2016.

«Jaume Llombart grabó un disco conceptual. Conceptual en el sentido en que el guitarrista interpreta diez standards. Hasta aquí algo muy habitual y lógico. A lo que hay que añadir que los interpreta inspirándose en las diferentes versiones que dejó el inimitable e imprescindible Thelonious Monk. Temas tan archiconocidos como “Satin Doll”, “Just a Gigolo” o “I Should Care”.

En todas y cada una de las interpretaciones anida una forma muy particular de tratar el tiempo, los ataques y los espacios de tensión que nos recuerdan asombrosamente a Monk pero pasado por el matiz personal y enriquecedor de Llombart.

Un disco de profunda hermosura, diez temas interpretados de una manera muy sencilla, sin recurrir en ningún momento ejercicios circenses, huyendo de los lugares comunes tan habituales en los repertorios de versiones. Está la esencia y el espíritu de Monk, pero sobre todo ese algo tan difícil que es expresar la propia personalidad del intérprete, la del magistral Llombart.

Destaca además su colaboración —simbiótico dúo— con el saxofonista malagueño Enrique Oliver, destacados músicos y viejos conocidos pese a su juventud. Juntos han colaborado en numerosos proyectos ajenos —por ejemplo, y entre otros, en álbumes como Uno (Moskito, 2014) de Ernesto Aurignac o Voces (Nuba, 2015) de Perico Sambeat—. Dos creadores a la vanguardia de su generación, con una larga trayectoria de experiencias compartidas que se manifiesta en la complicidad de su música y la belleza del diálogo sincero y creativo entre dos instrumentos donde la guitarra y el saxo se complementan para trazar un tejido sonoro de singular belleza.

Una música que se erige como un lenguaje muy personal con la mirada puesta en el futuro y, respetando la tradición, aportar una nueva perspectiva a un repertorio clásico.

Su asociación se remonta a 2005, cuando ambos fueron invitados a participar en el Festival Internacional de Jazz de Birmingham. Tras su exitosa experiencia, fueron invitados en las siguientes dos ediciones. Desde entonces han compartido infinidad de experiencias y escenarios.

En 2007 viajaron a Nueva York donde pasaron a ser músicos residentes del club Café Brama, tocando cada semana con invitados de lujo como el batería RJ Miller, los contrabajistas Chris Higgins y Chris Van Woorst o los saxofonistas Mariano Gil y Javier Vercher, entre otros.

De regreso a España —y al margen de los compromisos al frente de sus respectivos proyectos y colaboraciones con otros músicos— realizaron juntos giras y actuaciones a lo largo de la geografía nacional: más de un centenar de conciertos en los últimos diez años. Una experiencia fructífera y enriquecedora que quisieron registrar en tres espléndidos álbumes autoeditados. El primero, Plays Standards (2007) con una gran selección de clásicos. En el segundo, Play Ellington (2011), rinden tributo al gran maestro Duke Ellington y el tercero, I Surrender, Dear (2014), de nuevo con novedosas relecturas de clásicos del cancionero americano y brasileño, como la hermosa “Voce vai ver”, del maestro Jobim.

Por supuesto que esto no podía ser todo y que la fiesta recién comenzaba: llevados por su pasión dan un paso adelante en su camino, haciendo lo que les gusta… Everything I Love

Quince años después, ahora con la colaboración del trompetista barcelonés Félix Rossy en dos de temas (“If I Ever” y “Love Me Tender”), ahondan en una serie de estándares de compositores, sobre todo estadounidenses, en un álbum cálido y entrañable, cuyo título Everything I Love (UnderPool, 2020), resulta más que relevante, o sea, todos los clásicos que aman y, diríamos, por extensión todo aquello que les gusta, una manera de entender conceptos como el jazz, la tradición, el futuro, la vida misma. Para ello han rescatado temas del legendario cancionero americano —Great American Songbook—, en particular de compositores como Hoagy Carmichael, Jimmy Van Heusen, Cole Porter o Billy Strayhorn y los han hecho propios con una hondura íntima y cómplice.

Everything I Love es un disco hermoso de principio a fin —a todos nos gustan esos clásicos de toda la vida, valga la redundancia, hemos crecido a compás de sus sones—, interpretado de esa manera tan íntima y arriesgada del dúo, del tú a tú, y lo que a priori pudiera parecer una drástica reducción al prescindir de una sección rítimica, muda en sublimación de sonidos originales, destilados con inspiración a su esencia más limpia, quizás más bella.

De este modo, cuando Oliver se erige en solista, Llombat busca la apoyatura armónica con las cuerdas y, a la inversa, cuando la guitarra asume el papel solista, la cosa se complica y entonces Oliver demuestra por qué es un referente del tenor nacional.

Ambos asumen el rol de solista o de acompañante con la fluidez de una conversación entre amigos, porque cuando hablamos de jazz se trata de eso, de establecer una conversación en cuyo transcurso surgen ideas novedosas, acaso insospechadas, pero siempre sugerentes como lo es un paso hacia el más allá, al futuro.

Solo dos músicos de la talla, y el saber hacer, de Oliver y Llombart son capaces de transformar canciones conocidas en sugerencias de una riqueza extraordinaria y, así, “But Beautiful” emerge como una delicada balada con aire brasileño, “Lush Life” en puro sentimiento, “Tangerine” en toda una fiesta, el conocido “Everithing I Love” de Porter en un breve estallido de perfecta complejidad o “For Heaven’s Sake” en una emotiva balada que te envuelve en sus secretos, y así sucesivamente a lo largo de las 12 canciones incluidas en el disco: There Shall Be No Night (Abner Silver, Gladys Shelley). 2. For Heaven’s Sake (Donald Meyer, Elise Bretton, Sherman Edwards). 3. Tangerine (Victor Schertzginer). 4. Daydream/After All (Billy Strayhorn). 5. Everything I Love (Cole Porter). 6. But Beautiful (Jimmy van Heusen). 7. If Ever I Would Lose You (Alan Jay Lerner, Frederick Loewe). 8. Georgia (Hoagy Carmichael). 9. I Surrender, Dear (Harry Barris). 10. Raincheck (Billy Strayhorn). 11. Lush Life (Billy Strayhorn).. 12. Love Me Tender (George Rodway Poulton).

*

El gran saxofonista y afín musical Ernesto Aurignac escribió sobre Llombart a propósito de su álbum Uno unas hermosas palabras que definen meridianamente su personalidad musical y humana:

«Jaume Llombart es un genio, inspiración y admiración máxima. Nunca he conocido a alguien con tanto talento, los que le conocemos sabemos que es uno de esos músicos que toca en un circuito pequeño cuando podría estar tocando por el mundo, en los mejores festivales y con los mejores músicos del mundo. Pero él es extremadamente introvertido, generoso y humilde, le gusta mucho la huerta, Thelonious Monk y los calçots. Escucharlo siempre es una lección, no es normal el control que tiene de los sonidos y su capacidad creativa, no exagero cuando digo que es un verdadero genio. Nos conocimos en Barcelona hace ya 13 años, vivir con él una temporada fue una masterclass constante, aprendí mucho de lo que ahora sé. Recuerdo levantarme cada día a las 10, entrar en el salón y verle apoyado en la ventana con su café y su guitarra (siempre sin amplificación) desde las 7 de la mañana transcribiendolo todo, Coltrane, Parker, Monk, Tristano, Konitz. Cocina una pasta con nata, champiñones y calabacín de otro planeta, y hasta hace poco conducía un coche antiguo sin carnet de conducir y con una cinta de Joe Pass medio rayada que nunca cambiaba. ¡Tengo el honor y le placer de que grabe en mi disco! Su papel es muy importante y no sé cómo voy a hacer para gestionar sus solos con tantos músicos, teniendo en cuenta que mi cabeza se imagina a Jaume tocándolo todo».

Bori Albero (contrabajo)

Bori Albero (Girona, 1982). Estudió contrabajo en el Conservatorio de Girona que compaginó con los de bajo eléctrico en el Taller de Músicos de Bañolas. Después se graduó en la ESMUC (Escuela Superior de Música de Cataluña) en el área de contrabajo de jazz, estudiando con profesores como Mario Rossy u Horacio Fumero. Completo su formación con clases privadas con Javier Colina.

Creció en el seno de una familia musical, su hermano Roc es un destacado trompetista que ha participado en numerosas formaciones y dirige las propias, y Marina es un avezada multiinstrumentista tanto con el piano, por lo habitual a trío, el vibráfono y el salterio (música étnica) del que es auténtica virtuosa, entre otros instrumentos… Y Bori ¿quién no lo conoce?, contrabajista a tiempo completo y de toda clase de música salvo de la que no lo es, que diría Duke Ellington. «La música y él son la misma cosa» dijo alguien de él, hermoso y veraz retrato.

Con una sólida formación y, lo más importante, irrefrenables deseos de tocar (de expresarse a través de ese efímero arte que es la música), comenzó a presentarse en público con diferentes combos junto a amigos de toda la vida o con quienes compartían sus afinidades. Allá por 2003, apenas cumplidos los 19 años, se alió con músicos de su igual —el pianista Roger Mas, el saxofonista Albert Cirera, el guitarrista Alfred Artigas y el baterista Juanma Nieto— para crear un quinteto que bajo el nombre de Proyecto Cero propina hacer tabla rasa y reiniciar un nuevo camino musical con el que dar rienda suelta a sus inquietudes y mensajes. El combo se presentó en numerosos clubes y salas de conciertos, entre ellas la Nova Jazz Cava de Tarrasa, y festivales nacionales, obteniendo el Premio al mejor grupo en el Concurso Nacional de Salamanca.

Al cabo, y de nuevo con afines —de nuevo Roger Mas y Janma Nieto— , formó el trío Among 3, sólida banda barcelonesa surgida hacia 2002 que propugnaba nuevos conceptos musicales en fórmulas abiertas a través de las que explorar diferentes formas de improvisación. Publicaron el álbum homónimo among 3 (2007) en el que en algunos temas cuentan con la especial colaboración del guitarrista Jaume Llombart, el bajista David Mengual, y los saxofonistas Ernesto Aurignac y Jon Robles.

Los títulos de los temas incluidos —“E Minor”, “Session II”m “Long Week”, “Living Space”, “M1”, “Meeting Point”, C-1 Minor” y “Pirámide”— ya avisan de la filiación musical de los miembros.

A Bori se le puede escuchar —válgame el cliché— con… pongan algún nombre, algunos de los que apellidan a los más insignes jazzmen de la actual escena jazzística nacional y, seguro, acertarán. Uno está escuchando un disco, oye un beat, mira la carpeta y ¡coño!, el Bori, pues eso.

Y hablando de estilo, o precisamente de beat, de él dijo el batería Andreu Pitarch en el transcurso de la master impartida en el Aula de Música de la UAL, que posee precisamente un beat enorme y muy amplio.

Pero si quieren nombres, se le puede escuchar en grabaciones con reconocidos intérpretes del panorama nacional, entre otros, Roger Mas, Jaume Llombart, Julián Sánchez, Enrique Oliver, Marina Albero, Arturo Serra, José Carra, Joan Monné, David Xirgu, David Mengual, Marina Albero, cantantes Silvia Pérez Cruz, Nadia Basurto o la legendaria Sheila Jordan

En la actualidad reside en Almería, colabora con la asociación cultural La Guajira, es socio de Clasijazz, miembro de la Clasijazz Big Band de la que ha sido codirector, forma parte de la sección rítmica de Clasijazz junto a Pablo Mazuecos y Miguel Canale, así como del proyecto didáctico Clasijazz Quintet, completado por el trompetista José Carlos Hernández, el saxo Antonio González, Pablo Mazuecos al piano, Miguel Canale a la batería y José Santiago Lardón como presentador y comentarista.

Contrabajista sideman de primer nivel y altamente confiable ha acompañado a figuras nacionales e internacionales como Barry Harris, Dado Moroni, Olivier Antunes, Vince Benedetti, Benny Golson, Sheila Jordan o Lee Konitz…

Su versatilidad y capacidad le convierten en bajista muy solicitado y como tal ha formado parte de tal infinidad de formaciones que su cómputo resultaría tedioso enumerar como lo es la nómina de músicos con los que ha colaborado.

Suele hablarse de proyecto personal, o sea, grabaciones propias, y en lo que respecta a Albero puede afirmarse que es él su propio proyecto —«La música y él son la misma cosa», dicen—, anida en la huella dejada en la multitud de grabaciones en las que ha colaborado, como por ejemplo entre las más recientes junto al legendario Lee Konitz, Lee Konitz en la Fundación Valparaíso junto al pianista Marco Mezquida y el batería Ramón Prats o a trío junto a la mítica Sheila Jordan — Sheila Jordan en la Fundación Valparaíso (Clasijazz Records, 2021). con el pianista José Carra—, o el recientísimo y excelente Tenorism (Sedajazz, 2021) a nombre de Daniel Torres & Enrique Oliver Quintet, completado por José Carra y Ramón Prats con invitados especiales como el saxo tenor  Rick Margitza y el guitarrista Jaume Llombart. Baste una breve relación de sus colaboraciones discográficas:

• Among 3, Among 3 (Fresh Sound New Talent, 2007): Ernesto Aurignac (sa) Joan Robles (ss, st) Roger Mas (p) Jaume Llombart (g) Bori Albero (b) David Mengual (d).
• Roger Mas Quintet, Mason (Fresh Sound New Talent, 2007): Jon Robles (ss, st) Roger Mas (p) Enrique Oliver (st) Jaume Llombart (b) Bori Albero (b) Juanma Nieto (d).
• Nadia Basurto & Roger Mas, Arce (Fresh Sound New Talent, 2013): Nadia Basurto (voz) Roger Mas (p) Bori Albero (b) Ramón Prats (d). Clásicos y composiciones de de Basurto y Roger Mas.
• Joan Monné Trio, Standards (Fresh Sound New Talent): Joan Monné (p) Bori Albero (b) david Xirgu (d).
• Nadia Basurto & Trio, For All We Know (Fresh Sound New Talent, ): Nadia Basurto (vocal) Roger Mas (b) Bori Albero (b) Ramón Prats (d).
• Arturo Serra, Locomotive (FJR Studios, 2015): Arturo Serra (vibráfono) Enrique Oliver (st) José Carra (p) Bori Albero (b) Ramón Prats (d).
• Julián Sánchez New Quartet, Jamboree Live 3. Live Agosto 2017 (La Cúpula Music, 2017): Julián Sánchez (tp) Marco Mezquida (p) Bori Albero (b) Ivo Sans (d).
• Julián Sánchez New Quartet, Julián Sánchez New Quartet (Whatabout Music, 2015): Julián Sánchez (tp) Marco Mezquida (p) Bori Albero (b) Ivo Sans (d).
• Lee Konitz Quartet, Live en la Fundación Valparaíso (Clasijazz, 2019): Lee Kontiz (sa) Marco Mezquida (p) Bori Albero (b) Ramón Prats (d).- Grabado en 2018.
• José Carra, Verso (Romero Music, 2016).- José Carra (p) Jaume Llombart (g) Bori Albero (b) Dani Domínguez (b).
• Carra, José, Diario de vuelo (Taghrid, 2018).- Josè Carra (piano, Fender Rhodes, Würlitzer, celesta, sintetizador) Bori Albero (b) Dani Domínguez (d).
• Enrique Oliver, Introducing (Ámbar, 2012).- Julián Sánchez (tp) Enrique Oliver (st) Roger Mas (p) Bori Albero (b) Ramón Prats (d) Tete Leal (fl, 10).- Grabado EMM Alhaurín de La Torre, 1 y 2.10.2011.
• Lee Konitz, Lee Konitz en la Fundación Valparaíso (Clasijazz Records, 2019): Lee Konitz (sa) Marco Mezquida (p) Bori Albero (b) Ramón Prats (d).- Grabado en 2018.
• Jordan, Sheila, Sheila Jordan en la Fundación Valparaíso (Clasijazz Records, 2021).- Sheila Jordán (v) José Carra (p) Bori Albero (b). Grabado en 2019.
• Daniel Torres & Enrique Oliver Quintet, Tenorism (Sedajazz Records, 2021).- Daniel Torres (st) Enrique Oliver (st) José Carra (p) Bori Albero (b) Ramón Prats (d).- Rick Margitza (st, 3) Jaume Llombart (g, 1).
• Carra, José Quintet, Satélite (Targhid, 2022): José Carra (p) Dani Domínguez (b) Luis Regidor (g, v) Enrique Oliver (st)

© José Santiago Lardón Santi (Junio, 2023)