Ernesto Aurignac Quartet

Ernesto Aurignac (saxo alto) Juan Galiardo (piano) Rubén Carles (contrabajo) Roger Gutiérrez (batería)

Clasijazz. Sala Principal, viernes, 16 de junio de 2023. 21:00 H

Tocar standards

Ernesto Aurignac está considerado uno de los saxos altos más destacados del jazz europeo e internacional. Posee un talento y un dominio exquisito y vertiginoso del instrumento y se mueve con destreza entre la tradición adherida a la esencia parkeriana y la vanguardia del jazz. Con influencias como Charlie Parker, Johnny Hodges y Ornette Coleman, le ha conducido a su sugerente y reconocible sonido propio que ha ido madurando con el paso del tiempo sometido a una vitalidad renovada y energética que nunca deja indiferente a nadie.

Ahora y tras mucho tiempo sin subirse a los escenarios regresa al frente de un extraordinario cuarteto —Juan Galiardo, Rubén Carlés y Roger Gutiérrez— para ofrecernos un concierto único, cargado de lirismo e intensidad, reinterpretando standards de jazz con arreglos del propio Aurignac.

Tocar standards —esos clásicos que nutren la tradición— es un paso obligado para cualquier músico de jazz y así lo hicieron grandes de la historia: John Coltrane, Miles Davis, Sonny Rollins… Interpretar un clásico es ahondar — y rendir tributo— en la tradición y a la par y a través de su relectura crear una obra nueva, incluso original. Una experiencia que ya plasmó en su álbum Standards Play Vol. 1 (Blue Asteroid, 2017), entonces a trío con el bajista Pedro Campos y el batería Santi Colomer y que nos presentó en Clasijazz.

Ernesto Aurignac (saxo alto)

Ernesto Aurignac (Málaga, 1982) Licenciado en saxofón por el Conservatorio Superior de Málaga. A los 18 años se trasladó a Barcelona donde estudió de forma autodidacta jazz, armonía moderna e improvisación. Allí tocó en la calle para costearse los estudios y la manutención. Después se trasladó a Madrid para al final regresar a Málaga y ahora reside en Fuengirola. En su horizonte, otro de sus sueños, anidaba el deseo de ir a Nueva York para tocar y grabar y de allí regresó con un saxo alto que perteneció al legendario Phil Woods, acaso el que éste heredara de Charlie Parker.

Ha actuado a lo largo y ancho de toda la geografía española cosechando siempre éxitos de crítica y público: New York, Finlandia, Polonia, Ecuador, Francia, Chile, Australia, Rusia, Alemania, Portugal, Inglaterra, Canadá y México.

Imparte clases en seminarios de jazz tanto nacionales como internacionales como profesor de saxofón, iniciación al jazz, combos y armonía moderna y ha compartido elenco de profesores con músicos de la talla de George Garzone, Seamus Blake, Dave Kikoski, Peter Bernstein, Bob Gullotti, John Lockwood o Steve Grossman.

Ha trabajado en multitud de formaciones con músicos como Chano Domínguez, Perico Sambeat, Gilad Hekselman, Eric Alexander, Albert Bover, Javier Colina, Marc Miralta, Alain Perez, Albert Sanz, Anders Christensen, Alexi Tuomarila, Mike Mossman, Massa Kamaguchi, Dee Jay Foster, Andre Sumelius, David Mengual, Ramón Prats, Enrique Oliver, Julián Sánchez, Toni Belenguer, Bobby Martínez, Jaume Llombart, Jesús Santandreu, Pablo Martin, entre otros, y con figuras del flamenco, como Gerardo Nuñez, Antonio Rey, el Rubio de Pruna, el Piraña, Jesús Méndez, Sandra Carrasco, Cepillo, La Tremendita, La Genara e Israel Fernández.

Además formó parte del cuadro de músicos del espectáculo Flamenco Hoy del cineasta Carlos Saura, bajo la dirección musical de Chano Domínguez.

Fue fundador y vicepresidente de la Asociación de Jazz de Málaga, director de la AJM Bigband y profesor de saxofón, armonía y combos del Centro de Artes y Música Moderna ‘Maestro Puyana’ (CAMM).

Entre otras distinciones ha sido galardonado con el I Premio Concurso de San Sebastián 2008 con Albert Vila Quintet, Finalista Concurso Internacional Grupos de Jazz de Getxo 2008, con Josep Tutusans Septet, I Premio Mejor Grupo Concurso Internacional de Jazz Palma de Mallorca con Santi Colomer Quartet y Mejor Solista de Jazz Concurso Internacional Palma de Mallorca 2011. A finales de 2015 fue incluido como uno de los mejores en la lista elaborado por la revista El Cultura del diario El Mundo.

Ha colaborado como sideman en más de treintena de álbumes con destacados músicos, entre otros, James Wood, Igor Tavan, Perico Sambeat, Sindicato Ornette, Sandra Carrasco, Víctor Correa, Javier Galiana o Arturo Serra.

Aurignac sólo quiere tocar y escuchar música, pero también y de forma muy intensa crearla. Son sus obsesiones esenciales, como lo fueron para proteicas figuras de la historia del jazz que bullen en su imaginario creativo como Charlie Parker, siempre y en el origen, la irreverencia de Ornette Coleman y toda una legión de conspicuos altoists entre los que me atrevo a incluir a Gary Bartz, Jackie McLean, Cannoball Adderley o a Phil Woods de quien posee una joya de saxo alto, añada 1951, comprado en Nueva York.

Su música es única, personal y muy reconocible. Sus conciertos son intensos, poderosos, vitales, prestos a la continua sorpresa y a la celebración en recíproca comunicación con el público, momentos únicos y mágicos. Quienes hayan tenido ocasión de asistir a algunas de sus presentaciones podrán confirmarlo sin lugar a dudas. Baste recordar algunas de sus visitas a Clasijazz: el maratoniano mano a mano con su alter ego tenor Enrique Oliver en el after hours tras el concierto del quinteto de José Carra allá por diciembre de 2011, su memorable solo en el monumental Epitaph de Charles Mingus en el seno de la Clasijazz Big Band expandida del Auditorio Maestro Padilla del 2 de noviembre de 2015 o la presentación en mayo de 2018 del fabuloso proyecto Ernesto Aurignac Strings Ensemble plays Originals & Strings. Momentos imborrables que nos revelaron que en su alma, en todo su ser, late toda la historia de eso que llamamos jazz, y que es mucho más que un estilo o un modo, música en libertad absoluta, y una forma de vida, o una enfermedad, según confiesa:

«Tengo una enfermedad incurable que es la música. No tengo una rutina definida de estudio actualmente. Me paso todo el día, las semanas y los meses: tocando el saxo, todo tipo de ejercicios técnicos, armónicos, transcripciones, improvisación, etc…; tocando con otros músicos haciendo conciertos, ensayos, sesiones, grabaciones, etc…; escribiendo música para todo tipo de formaciones y, tras un breve descanso, escuchando música, todo tipo de músicas, especialmente clásica y jazz».

Rara enfermedad u obstinado desvarío que le empuja sin descanso a idear nuevas formas, nuevas músicas, acaso con la esperanza de hallar paliativo a su inquietud, consciente o inconsciente de cada paso no es más que el inicio de un nuevo reto, de un riesgo que asumir…

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Su producción discográfica es fiel reflejo de sus anhelos y sueños, proyectos en los que dar cabida a la grandeza de su música. En solitario ha liderado los álbumes UNO (Moskito Records, 2014); Anunnakis. Live at Jamboree (Fresh Sound New Talent, 2015); Plays Standards. Vol. 1 (Blue Asteroid, 2016); U Circle Breakers, Música para un pez descalzo (Autoedición, 2019) y Ernesto Aurignac Ensemble, Plutón (Autoedición, 2019).

Como líder o colíder —al margen de su copiosa producción como sideman— ha publicado media docena de álbumes. Dos de ellos compartiendo liderato y autoría con otros destacados músicos.

El primero como miembro de Sindicato Ornette, clara advocación el padre del free jazz, y que bajo el título de Live at Clasijazz (Clasijazz Live Records, 2010), reunió a cuatro de los más destacados jóvenes valores del jazz nacional e internacional: Julián Sánchez (trompeta) Ernesto Aurignac (saxo alto) Paco Veht (contrabajo) y Ramón Prats (batería). Aurignac aporta cuatro temas: “Churrasco Internacional”, “Esperma Lee” y “La mosca cojonera”.

El segundo, más reciente, como miembro del trío MAP, de título homónimo y publicado en 2016, junto al pianista menorquín Marco Mezquida y el baterísta gironés Ramón Prats. Álbum innovador y atrevido, su música remite a un lugar y a un tiempo imaginado. Es una síntesis regeneradora de músicas y estilos populares, académicos y libres. Una confluencia de la musicalidad de Mezquida, la pasión y visceralidad de Aurignac y la fantasía estructurada de Prats. Con una oportuna cita del poeta Fernando Pessoa —“Soy los alrededores de una ciudad que no existe, el comentario prolijo a un libro que no se ha escrito”— definitoria del oriente y sentido de su discurso musical, de toda la música, de lo que fue el jazz desde sus orígenes. Música heterodoxa y nada convencional, que huye del cliché y los prejuicios, que se articula a medida que se interpreta, una suerte de viaje musical por paisajes sonoros que se despejan a medida que el intérprete y el oyente avanzan. Una mixtura de clasicismo, jazz, free jazz, música contemporánea y popular, cocinada con admirable sabiduría por la poderosa personalidad de sus intérpretes. Doce temas originales de los miembros del trío que destilan un discurso musical sin fronteras, trazan un mapa de sonidos sin límites y una invitación a un viaje musical por regiones inexploradas con conspicuas referencias a Bill Evans, Keith Jarrett, Brad Mehldau, Agustí Fernández, Charlie Parker, Sonny Rollins, Steve Coleman, Ornette Coleman, Tony Williams o Jack DeJohnette, entre otros.

Su primer álbum como líder en solitario —UNO (Moskito Records, 2014)— y acaso con el principia la materialización de sus quimeras, es un auténtico turbión de sueños y anhelos confesos como declaró en una entrevista para la revista digital Saxrules Magazine. Ideada para una gran orquesta, contó con la colaboración especial como músicos invitados de figuras como Perico Sambeat, Carles Beneavent, Enrique Oliver, Julián Sánchez, Toni Belenguer, Dee Jay Foster, Ramón Prats o Carme Canela, entre otros. Un proyecto nacido de sus experiencias e influencias musicales, con una formación y sonido original donde música clásica y jazz se dan la mano en un todo que evoca al infinito Uno.

Para Anunnakis (Fresh Sound New Talent, 2016) recurrió al formato de quinteto —con Jaume Llombart (guitarra), Roger Mas (piano), Dee Jay Foster (contrabajo) y Joâo Lopes Pereira (batería)—, para un álbum especial tanto por el diseño, obra de Arkitz del Río, como por su título y su contenido musical, como señala el propio Ernesto: «El título está relacionado con mis inquietudes y pensamientos desde hace muchos años y que tienen que ver con el Universo, los planetas, las galaxias, las dimensiones, los sonidos, la vida y las teorías extraterrestres y terrestres. Todos los temas que he compuesto para Anunnakis son un reflejo de los sonidos que mi mente imagina a partir de estas inquietudes cósmicas». De ahí que no resulten gratuitos los títulos de piezas como “Ufos Are Here!”, “La órbita de Venus” o “Bienvenidos al inframundo” que forman parte de las 6 composiciones originales incluidas en el álbum

En Ernesto Aurignac Trío plays Standards (Blue Asteroid, 2017), grabado en esa íntima pero arriesgada formación que es el trío, junto al contrabajista Pedro Campos y Santi Colomer a la batería, Ernesto deja escapar un anhelo anidado en el remolino de su mente: «Siempre tuve en la cabeza hacer un disco a trío, sin instrumento armónico, tocando algunos de mis standards favoritos. Un disco que fuera sencillo, fácil de escuchar y dinámico, en el que se pasen los temas volando, lleno de clásicos, todos los temas de duración breve, solos cortos,  exposición y reexposición de las melodías al uso, con un sonido directo, humilde y sincero… Ni ensayamos ni pensamos que tocar antes de grabar. Lo improvisamos todo. Llegamos  al estudio y una vez con los intrumentos y el sonido preparado: ¿qué tocamos?». Un disco sencillamente superlativo, como en un directo, cargado de be bop complejo pero directo y carente de adherencias superfluas, acaso como lo hubiera hecho Bird de vivir. Diez clásicos de toda la vida como “Night and Day”, “On Green Dolphin Street”, “Body & Soul”, “Struttin’ With Some Barbecue” o el “Just Friends” que cierra el álbum.

U Circle Breakers. Música para un pez descalzo (Autoedición, 2019). Primer álbum del ensemble contemporáneo U Circle Breakers, integrado por 18 músicos que generan un sonido único e inconfundible que absorbe a los oyentes, mostrando una voz propia y una actitud que se daba por perdida en el mundo de la música. Las 22 composiciones de Ernesto Aurignac encarnan este inusual fenómeno, aportando una sonoridad distintiva y un lenguaje que bebe de numerosas influencias: desde la profunda asimilación de la tradición clásica occidental hasta el flamenco más arraigado y el jazz más salvaje. Con el objetivo de liberarse de los convencionalismos musicales y de los cánones que los rigen, la obra nació de forma espontánea de la imaginación de los miembros del ensemble en una constante búsqueda musical urgidos por desnudar de significado al estilo o al género en terminos musicales. La obra fue escrita expresamente para esta agrupación de la que cabe destacar el eclecticismo de sus miembros. El propio Aurignac definió a la banda y al proyecto como «Orchestra futurista. Proyecto artístico libre de convencionalismos musicales y cánones artísticos. Música única y original. Viaje indescriptible».

Plutón (Autoedición, 2019). Escrita por encargo de Pepe Mompeán, para el Festival Internacional de Arte Sacro de Madrid (FIAS), la obra presenta 17 temas originales para una formación de noneto. Como ya indica su título, se trata de un viaje de exploración sonora, una obra evocadora, cinematográfica. A veces de suave e íntimo diálogo de música de cámara que se transforma en profundos desarrollos orquestales de dilatadas cadencias bien articuladas. Es, además, la narración que a través de su línea compositiva busca la conexión entre los opuestos. Una historia, o muchas historias, que nos habla de la belleza de lo pequeño y de lo mayúsculo, de lo simple y de lo complejo. Los elementos compositivos e interpretativos oscilan desde una línea mínima protagonizada por la conversación tranquila y elegante entre dos instrumentos hasta un desarrollo de concepto sinfónico. El hilo conductor es la evolución de un motivo hacia pasajes de ricas melodías y elaboradas texturas de gran coherencia interna que nos trasladan a otros mundos. Una obra que va más allá del jazz contemporáneo y de la música clásica, a través de evocadoras composiciones a veces cargadas de ironía como el inicial saludo “Welcome to Plutón”, “Mingus at the Circus”, “Cirrosis popular”, “Duke Ellington ‘El Puerco’”, “Melonious Monk” o “Pansequitos Style” y un último tema, “Ser de Luz”, escrito con posteridad a la memoria del trombonista valenciano Toni Belenguer fallecido en 2020. Composiciones arrebatadoreas con innumerables conexiones, desde el blues al hard bop, intensas improvisaciones y pasajes con acentos latinos como lo es siempre la música de Aurignac:

«Solo imagino otros mundos y otros sonidos. Mi sonido es algo muy abstracto porque no pienso en ninguna pauta. Es lo que tengo en mi mente. Lo más interesante es lo que experimenta el oyente».

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Ha recibido diversos premios y distinciones, entre otros, Mejor disco de Jazz de 2016 en los Premios Enderock por MAP. Jazzer  del año 2015 otorgado por la Sant Andreu Jazz Band. Mejor solista de Jazz del IV Certamen de Jazz de Palma de Mallorca (2011). Mejor agrupación de Jazz del IV Certamen de Jazz de Palma de Mallorca (2011). Mejor agrupación en el Concurso de Jazz Debajazz de Donosti (2007). Premio especial del público al mejor disco del año por Música para un pez descalzo de U Circle Breakers en el Festival de Jazz de la Higuera (2019). Mejor grupo en el Concurso de Jazz Debajazz de Donosti (2007). Primer premio y premio del público en el Concurso Internacional de Composición Sbalz 2021 por la obra “Hola Don Benetó” organizado por Spanish Brass. Finalista en el Concurso Internacional de Composición Classic Pure Vienna International Music Competition 2021. Finalista del Concurso Internacional de Composición de la Academia de Música Clásica de Viena 2021.

Reputado docente ha impartido clases de diversas materias, entre otras saxofón, improvisación, composición, armonía moderna o educación del oído en destacados centros, seminarios y masterclass, entre otros, CAMM (Centro de Artes y Música Moderna ‘Maestro Puyana’ de Málaga), EMMAT (Escuela Municipal de Música de Alhaurín de la Torre), Curso Internacional “Jazz In Situ” en Quito y Loja (Ecuador), Cursos de Jazz de La Línea de la Concepción 2017, 2018 y 2019 organizados por la Universidad Menéndez Pelayo, Seminario Internacional de Jazz de Alhaurín de la Torre 2012 y 2013, Seminario de Jazz de Badajoz “Badejazz” 2011, XX Seminario Internacional de Jazz de Sedajazz (Valencia, 2020), Seminario Internacional de Jazz de Tenerife Jazz Camp (2023), Curso Internacional de Saxofón “Villa de Teror” (Gran Canaria, 2016 y 2017), Taller de Musics (Barcelona 2018 y 2019), Conservatori del Liceu (Barcelona, 2017), Festival de Jazz de Vitoria (2018), Taller de Jazz SanbArtMusic / Auditorio de San Bartolomé (Orihuela, Alicante 2011) o Mousiké La Laguna / Tenerife, Lanzarote, Fuerteventura y Gran Canaria 2020.

Como compositor —en la actualidad su gran pasión y labor que absorbe gran parte de su inmensa energía creativa— ha escrito una infinidad de obras de una gran variedad estilística que abarca desde el jazz a música para bandas, sinfónica o de cámara. Una relación de su obra puede consultarse en su web:

https://www.ernestoaurignac.com/

Juan Galiardo (piano)

Juan Galiardo (Sevilla, 1976). Titulado en Educación Musical (Universidad de Cádiz, 1998). Graduado cum laudem por Berklee College of Music de Boston (2004), donde ganó el premio especial del Chair del Piano Departament. Beneficiario de la Berklee European Scholarship Tour, y de la beca para el perfeccionamiento de las Artes Escénicas y Musicales en el Extranjero de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía. Ha estudiado con Barry Harris, Danilo Pérez, Joe Lovano, Joanne Brackeen, Mick Goodrick, Edward Tomassi, Dave Santoro y Frank Carlberg.

En Boston estudió y tocó con Uri Gurvich, Esperanza Spalding, Warren Wolf, Luques Curtis, Hogyu Hwang, James Williams, Miguel Gandelman, Louis Cato, Mark Kelley, Tadashi Ugawa, Alex Gordeev, Abe Lagrimas Jr., Yohei Kanai, Kuriko Tsugawa, Demian Cabaud, André Matos, Iván Martirena, Ori Dakari o Ramiro Olacigueri.

Ha recorrido Japón, Filipinas, EEUU, Inglaterra, Irlanda, Gales, Francia, España y Portugal, con músicos de prestigio internacional como Jerry Bergonzi, Dave Santoro, Gregory Hutchinson, Reuben Rogers, Darren Barrett, Dick Oatts, Joe Magnarelli, Freddie Bryant, Donny McCaslin, Willard Dyson, Patrice Blanchard, Mark Whitfield, Yosvani Terry, Mark Ledford, Francisco Mela, Andrea Michelutti, Dayna Stephens. Dimitri Skidanov, Steve Altenberg, Matt Owens o Phil Wilkinson. Y en el ámbito nacional con Arturo Serra, Manuel Perfumo, Pedro Cortejosa, José López, Xavi, Hinojosa, Esteve Pi, Enrique Oliver, Tito Alcedo, Javier Ruibal, Perico Sambeat, Marc Miralta, Ignasi González, DeeJay Foster, Celia Mur, Elíe Massías, Marcos Sainz, Bori Albero, Victor Merlo, Julián Sánchez, Guillermo McGuill, Antonio Gómez, Ruben Dantas, Marko Lohikari, Martin Leyton, Jorge Pardo, Guillem Arnedo, Marc Cuevas, Voro García, José A. Galicia, Carlos López, Marku Ounaskari, Ernesto Aurignac, David León, Rubén Morán, Ramón Prats, Toni Belenguer, Dani Domínguez, David Pastor, Vicente Macián, Joan Masana, Ximo Tebar, Vincent Thomas, Jimmy Castro, Manuel Calleja, Guillermo Morente, José Guillamó, Sergio Diaz, Coki Giménez, Carlos Pino, Nacho Megina, Fernando Camas, María Cavaes, Lola Botello, Rafael Águila. Miguel Vargas, Ismael Alcina, Mariano Steinberg, Carlos González, Salvador Andrades o Ivan Taca, entre otros muchos.

En otros campos musicales grabó y realizó giras con El Barrio, Los Cucas, Javier Ruibal, Tu cara (Alba Molina y Andrea Lutz), Solomones, Merche Corisco, Olga Rossano o Los Atlánticos Ha grabado para televisión conciertos para TVE, La Sexta, Tele5, Cuatro y varias autonómicas.

En 2011 fue profesor de piano y armonía en la Universidad de Évora (Portugal), y organizador de 4 ediciones del extinto Seminario Internacional de Jazz de Cádiz. En la actualidad enseña en la Escuela de Jazz y Música Moderna de la Universidad de Cádiz.

A su nombre ha editado dos álbumes. El primero con Satya Proyect, Shine a Light (2008) en colaboración con el también pianista Marcos Sainz con música que mezcla pop, r&b, jazz y funk y para el que contaron con un amplio elenco de músicos, entre otros, la cantante Kelli Sae, Mark Whitfield, Miguel Gandelman, Darren Barrett, Bernd Voss, Tito Alcedo, Marcos Vigio, Manolo Nieto, Alexei Gordeev, Aaron Bellamy, Louis Cato, Keko Baldomero, Juan Diego Mateos, Lucas Vidal o la Filarmónica de la Ciudad de Praga.

En el segundo, Juan Galiardo (New Steps, 2012), lidera un quinteto con el saxo tenor Jerry Bergonzi, el trompetista Joe Magnarelli, el bajista Dave Santoro y Andrea Michelutti a la batería, en el que incluye un mixtura alternada de clásicos —“Girl from Ipanema”, “So In Love” o “I Fall In Love Too Easily”— con composiciones propias como “Otaru Souko”, “Blues for Dave” o “Buenas noches por venir”. Hard bop actual, muy evolucionado y directo y álbum celebrado por críticos como Mario Benso y según Distrito Jazz uno de los mejores discos de 2012.

Y como sideman ha colaborado en decenas de grabaciones don destacados artistas y formaciones, entre otros, Pedro Cortejosa, Númen (2008); Francisco Javier Torres, Semana Santa en el Siglo XXI (2006); Arturo Serra, A moment with you, (2007), Standards session Vol. 1 (2008), Standards session Vol. 2 (2009) y Bobby (2012); Arturo Serra & Miquel Casany, Holding hands (2008); Arturo Serra, Freddie Bryant + Kaleidoscope, Epic Tales (2012); Arturo Serra meets Celia Mur, Gershwin Songs (2014); Organic Collective, May be in other life (2008); Carlos Villoslada, Tabaqueando en la plaza niña, (2010); Lugotti, Crossing Fingers (2010); Antonio Rodríguez, La princesa de las flores (2011); Cordelia, Solitude (2010); María Cavaes, Myself  (2013); Pedro Cortejosa, Ocho (2014) y 12 Días (2015), Javier Navas Quartet, Finally in my Hands (2016); Leandro Periñan, Por allí viene Costi (2016);; Celia Mur, Sings Menescal (2016); Miguel Ángel Gil, Grooveland (2017); Javier Delgado & Arturo Serra, Vision Tales (2017) y de modo especial con el vibrafonista Arturo Serra de quien es pianista habitual: Five Trees (2016), Happy Times (New Steps, 2016), Tudo Bem (New Steps, 2020), Dark Side, Light Side (New Steps, 2020) o Bright Colors (New Steps, 2022) en este caso en quinteto coliderado con el saxofonista Antonio González.

Rubén Carlés (contrabajo)

Rubén Carlés (Madrid, 1989). En su ciudad natal creció y despertó su pasión por la música, influenciado por un entorno familiar musical en especial por su padre, el pianista José María Carlés. Estudió a los clásicos y aprendió el contrabajo en la adolescencia y pronto se enganchó al jazz estudiando con atención a grandes del instrumento: Ray Brown, Charles Mingus, Paul Chambers y Oscar Pettiford.

A los 13 años inició el estudio formal del contrabajo y en 2006, con 17 años, ingreso en Musikene (Centro Superior de Música del País Vasco) donde cursó dos años y tuvo ocasión de estudiar con figuras como Jorge Rossy y Guillermo Klein. Allí conoció a músicos de diferente procedencia con los que realizó conciertos y giras por España y Francia. En 2007 su grupo fue seleccionado por INJUVE como primera banda juvenil de jazz nacional, premio que volvería a ganar en 2010 con el trío del saxofonista Gianni Gagliardi. Y ese mismo año colaboró en el documental Jazz en liverdade (Matriuska Producciones) con guion y dirección de Xes Chapela que recibió el premio al mejor largometraje documental en los Premios Mestre Mateo 2010 otorgado por la Academia Galega do Audiovisual y que contó con una espléndida banda sonora a cargo de destacados músicos de la escena nacional (Jorge Pardo, Abe Rábade, Bill Goodwin, Iago Fernández, Max Sunyer, Paco Charlín o Salvador Niebla, entre otros muchos). Interesante reflexión sobre la memoria y el jazz, o como el jazz llegó con la democracia en el entorno de la pequeña villa marinera de Cangas de Morrazo (Pontevedra). Y con la formación Sr. Chacho fue finalista en el concurso del Festival Internacional de Jazz de Getxo.

A los 18 años comenzó a realizar giras por toda la península ibérica participando en algunos de los festivales y concursos de música más prestigiosos como miembro de la banda Mr Chacho. En 2008 se trasladó a Nueva York, donde residió durante 9 meses y tuvo ocasión de estudiar con mentores como Matt Penman, Vicente Archer, Reggie Workman o Matt Brewer, a la par que tocó en reputados clubes y salas como Smalls, Lincoln Center, Pub de Sant Nick o Fat Cat, entre otros.

Un año después obtuvo una beca completa para estudiar en el prestigioso Berklee College of Music de Boston donde se graduó en Interpretación cuatro años después. Allí tuvo ocasión de estudiar con maestros como John Patitucci, Hal Crook o Terry Line Carrington. Luego gano una beca conexus para cursar un máster en Berklee Valencia lo que propició que compartiera escenario con destacados músicos, entre otros, Perico Sambeat, Jason Palmer, Jonathan Pinson, Ferenc Nemeth, Javier Vercher, Jorge Pardo, Yotam Silverstein o Logan Richardson.

Considerado como uno de los jóvenes contrabajistas más destacados y solicitados de la escena nacional por su versatilidad y amplio enfoque estilístico que abarca desde la tradición hasta la vanguardia, ha grabado o tocado con músicos como Ferenc Nemeth, Lionel Loueke, Jason Palmer, Adam Niewook, Colin Stranahan, Perico Sambeat, Logan Richardson, Café da Silva, Albert Sanz, Kush Abaddey, Yotam Silverstein, Jorge Rossy, Phil Grenadier o Javier Vercher entre muchos otros y se ha presentado en festivales y clubes de numerosos países: Francia, España, Holanda, Italia, Esados Unidos, Portugal, Alemania y Ecuador.

Como líder debutó con el álbum Water Lily (Fresh Sound New Talent, 2016) que incluye composiciones propias y para el que contó con un destacado elenco de músicos: Roman Filiu, Borja Barrueta, Albert Sanz, Perico Sambeat, Javier Vercher y Michael Olivera.

Imagination Universal (Fresh Sound New Talent, 2020), su segundo álbum, también con composiciones propias, contó con la colaboración de figuras como Perico Sambeta, Pablo Gutiérrez, Albert Sanz, Ariel Briguez y la voz y guitarra de la catalana Lau Noah.

Roger Gutiérrez (batería)

Roger Gutiérrez (Tàrrega, Lérida, 1989). Estudió percusión clásica y batería en el Conservatorio de Música de Cervera, donde tuvo como profesor a Ricard Grau, baterista del grupo Afro-Blue Latin Jazz, Ricard Grau y donde obtuvo el grado profesional.

En 2007, con 18 años, decidió estudiar música moderna y se matriculó en el Aula de Jazz y Música Moderna de Barcelona para preparar las pruebas de acceso a los estudios superiores del Liceo (Conservatorio de Barcelona) asesorado por el profesor Quim Solé.

Durante el último curso (2008/2009), con veinte años, su nuevo profesor, el batería uruguayo Aldo Caviglia, despertó su pasión por el jazz contribuyendo a lograr su meta e iniciar sus estudios superiores en el Conservatori Superior del Liceo de Barcelona.

En 2013 obtuvo el grado de Jazz y Música Moderna estudiando con grandes  profesores y reconocidos músicos como  David Xirgu, Ramón Prats, Sergi Vergés, Matthew Simon, Víctor de Diego, Horacio Fumero, Jon Robles, Llibert Fortuny, David Mengual y Albert Bover

Completó su formación asistiendo a clases magistrales impartidas por destacadas figuras de la escena jazzística nacional e internacional, entre otros, Billy Hart, Eddie Gómez, Steffan Karlsson, Ben Street, Seamus Blake, Jorge Rossy, Bobby Shew, Steffan Karlsson, Ed Soph, Joshua Redman, Jimmy Wormwooth, Perico Sambeat, Chano Domínguez, Kurt Rosenwinel, Fred Hersch o CarlosMartin.

Ha compartido escenario y colaborado en diferentes escenarios con grandes músicos como  Ramon Cardo, Perico Sambeat, Joan Monné, Jon Robles, David Mengual, Llibert Fortuny, Dmitry Baevsky, Jeb Patton, Joe Magnarelli, Charmin Michelle, Tricia Evy, Ronald Baker, Fabien Mary, Fabio Miano, Carme Canela, Viktorija Pilatovic, Albert Sanz , Voro García, Marko Lohikari, Masa Kamaguchi o Harry Allen, entre  otros.

Además ha colaborado en diversas grabaciones con músicos de la escena nacional en álbumes como Ramón Cardo & The Nyora Boppers, Introducing (Sedajazz Records, 2016); Toni Vaquer and The Voodoo Children Collective, Volume 1 (Fresh S0und New Talent, 2017); Oscar Latorre Quarter, Textures (Fresh Sound New Talent, 2018) o Txema Riera, Allegoria (Underpool, 2010).

Desde 2013 lidera sus propios proyectos, como el sexteto formado en homenaje al gran baterista Bill Stewart, con un repertorio basado en dos de los álbumes de Billy —Telepathy y Snide Remarks— y composiciones propias y con el que realizó una extensa gira. El sexteto lo completaban músicos de la talla del trompetista Iván González, los saxofonistas Santi de la Rubia y Joan Más, el pianista José Carra y el contrabajista Pau Sala —algunos de ellos asiduos o que estuvieron en alguna ocasión en Clasijazz— y que podría calificarse de exhibición de jazz moderno entreverado de hard bop, groove e incluso free jazz, o proyectos como el posterior Roger Gutiérrez & The Mallorca Jazz Reunión, formación con un estilo cargado de soul y bluesy y que incluía el hoy poco habitual pero órgano Hammond B3.

© José Santiago Lardón Santi (Junio, 2023)