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Fred Hersch Trio


José Angel Santiago Lardón - 17 julio, 2018 - 0 comments

Fred Hersch (piano) John Hébert (contrabajo) Eric McPherson (batería). Clasijazz, martes, 17 de julio de 2018. 21:00 H.

Fred Hersch (piano)

«Aprendí tocando con otros músicos y escuchando discos y tratando de entender por mi cuenta de que iba el asunto». Fred Hersch.

Fred Hersch (Cincinnati, Ohio, 1955). A los tres años tocaba en el piano las melodías de los dibujos animados, empezó a componer a los ocho, con diez ya ganaba concursos nacionales de piano y a los 12 escribió su primera sinfonía, confiesa en su autobiografía de más que elocuente título —Good Things Happen Slowly. A Life In and Out of Jazz (Crown Archetype, 2017).

Lo bueno sucede despacio, lentamente, como el amanecer que abre un nuevo día, como la dilatada, esforzada y frucitera vida y obra de Fred Hersch, el pianista más influyente y creativo de las últimas décadas y maestro de toda la generación de pianistas, y no solo pianistas, del jazz contemporáneo: Brad Mehldau, Ethan Iverson, Bruce Barth o Rachel Z. Su colega, el pianista Jason Moran dijo de él: «Fred es al piano lo que Le Brown James en la cancha a de baloncesto. Es la perfección».

Poco a poco, como madura un vino o envejece un árbol, fue construyendo su personalidad vital y musical. Su interés por el jazz, confiesa, se despertó de manera significativa mientras estudiaba en el prestigioso Grinnell College (Iowa) —por el que pasaron entre otros Herbie Hancock o el crítico Gary Giddins— y a donde decidió ir llevado por su interés por seguir una educación artística liberal. Allí tuvo como profesor al carismático Cecil Litle que además de impartir clases de piano clásico grababa temas de ragtime para Nonesuch y le descubrió el libro de Amiri Baraka (Leroi Jones) Black Music.

«Busqué los discos sobre los que Baraka había escrito —Coltrane, Ellington, Pharoah Sanders, Mingus— y comencé a escuchar jazz siguiendo su genealogía, todo el proceso de síntesis del blues, de la música criolla, del ragtime y de otros géneros. Leía libros sobre jazz con la misma pasión que leí History’s 100 Greatest Composers y descubrí que todo aquello era fascinante».

En Grinnell, además, tocaba música de cámara a trío —piano, violín y cello—, pero la seducción del jazz cobraba cada vez más peso:

«Con la música de cámara tocas con otras personas. Y el jazz, descubrí, es un lenguaje que te permite contar historias musicales espontáneas con otros músicos en tiempo real… Tocar juntos era divertido. Me gustaba».

Sin embargo, la crisis energética de finales de 1973 forzó a cerrar Grinnell prolongándose las vacaciones de invierno durante seis semanas. Fred regresó a su ciudad natal donde tuvo lugar su estreno en el mundo del jazz con un grupo local liderado por el saxo tenor Jimmy McGary. En Cincinnati trabajó además en los más variados entornos como, por ejemplo, en el espectáculo Hit Land USA!, suerte de revista musical con un repertorio de éxitos populares, entre ellos algún tema de Jesucristo Superstar y que según confiesa aceptó porque quería ser músico profesional:

«Era un trabajo bien remunerado… Ganaba 500 dólares a la semana por tocar tocar siete set de treinta minutos al día, uno cada hora, seis días a la semana».

En 1975, hastiado de Cincinnati y deseoso de nuevos horizontes, ingresó en el New England Conservatory de Boston donde tuvo como profesores, entre otros, al gran pianista Jaki Byard y a Gunther Schuller:

«Aprendí mucho con Jaki, simplemente estando en su presencia. Como músico y como persona era un espíritu intrépido —no tenía restricciones estilísticas en su manera de tocar— y jamás hacía alardes. Tenía una visión abierta del jazz y de la vida en general. En cierto modo contrarrestaba las enseñanzas de Gunther Schuller… Fue Jaki quien despertó mi interés por el piano solo, algo que me obsesionaría el resto de mi vida. Me introdujo a los trabajos a piano solo de Earl ‘Fatha’ Hines, James P. Johnson, Fats Waller y Teddy Wilson».

En 1997, tras su graduación, se trasladó a Manhanttan donde reside desde entonces, decidido a abrirse un lugar a la sombra de la poderosa escena jazzística neoyorquina:

«Cuando llegué a Nueva York decidí que iba a tocar todo lo que se me pusiera a tiro, y lo hice. Toqué con cantantes no demasiado buenos, por decirlo suavemente; en espectáculos para judíos, bodas, fiestas privadas, after hours… quería acumular experiencia. Hasta que me llamó Sam Jones. A partir de ese momento, todo vino rodado. Me recomendó a Art Farmer, que me recomendó a Joe Henderson, y éste a Lee Konitz, Stan Getz, Charlie Haden…».

En Nueva York continuó su formación y conocedor de que el mítico pianista Barry Harris había estudiado con Joseph Porstakoff, estudió también con él y luego con la célebre pianista y profesora Sophia Rosoff con quien sigue trabajando hasta casi la actualidad —a sus 96 años solo imparte clases de forma esporádica. Ambos le abireron el camino abierto por el prestigioso profesor de piano de Abby Whiteside, muerto en 1948.

De este modo, siguiendo los consejos de Sophia Rosoff —en especial un singular énfasis rítmico—, escuchando las grabaciones de los maestros, tocando junto a otros músicos fue fue aquilando un estilo personal, una voz propia en la que las influencias son múltiples y diversas:

«En mi mente afloran grandes pianistas del ámbito clásico —Arthur Rubistein, Martha Argerich, Glen Gould o Josef Hofmann— así como del jazz —Herbie Hancock, Paul Bley, Ahmad Jamal, Bill Evans, Art Tatum o Tommy Flanagan».

Pero además para Hersch el sonido cobra gran importancia, algo que descubrió con Duke Ellington:

«Le escuchaba en grabaciones muy dispares, con diferentes pianos y en diferentes estudios… Pero siempre sonaba a él mismo, igual que pianistas como Ahmad Jamal o Teddy Wilson… Me di cuenta de que no es el instrumento lo que determina el sonido, sino el pianista. Después de mucho trabajo creo que  también he desarrollado un toque personal: cuando toco en trío he de interactuar con el contrabajista y el baterista, pero cuando toco solo, interactuo con el piano y reaccionando ante  la acústica de la sala. Así puedo expresarme con mi propio sonido».

Un sonido propio y distintivo como lo tuvo Thelonious Monk, una referencia habitual en su discografía:

«Monk ha ejercido una gran influencia en diferentes aspectos de mi estilo, el fraseo, su uso del espacio… Sin embargo, siempre que toco sus composiciones intento extraer la idea, lo que hay en la partitura, y pasarlo por mi filtro…  Por eso aprendía sus temas directamente de la partitura y no escuchando como las interpretaba él, necesitaba encontrar mi propia forma de hacerlo».

Otro sello distintivo de su estilo es su manera de abordar la interpretación de una determinada pieza: siempre intenta conectar con lo que toca, comprender y conocer cada tema, situarse en estado de gracia, con la tensión y concentración de quien en ello le va vida o fuese el último concierto:

«Algunos de mis músicos favoritos, como Sonny Rollins, Miles Davis o Monk, cuando tocaban una canción, interpretaban la canción, no simplemente una serie de acordes y cambios. Así, cuando toco un estándar, siempre conozco la letra y eso me conecta a la melodía, porque no es solo un montón de notas que encontré en una partitura de jazz. Parte de mi propia música tiene también cierto carácter vocal, y eso me ayuda a conectar con cada canción de forma muy natural».

*

Pronto se abrió camino en la escena neoyorquina como reputado y solicitado pianista. Así, por ejemplo, en 1980 se presentó con su trío en B. Dalton Bookseller, una de las muchas actividades paralelas del Newport Jazz Festival, en 1981 colaboró con la cantante Chris Connor. Ese mismo año participó además en el Kool Jazz Festival y con el sexteto del saxofonista Joe Henderson en el New Jazz Public Series.

En 1983 colaboró en una sesión a duo con el bajista Ratso Harris en el Knickerbocker Saloon de Nueva York, concierto del que The New York Times reseñó: «Mr. Hersch es un romántico, se implica en lo que toca y proyecta su participación con una expresividad corporal que subraya con sutileza su gran musicalidad. Sus líneas son suaves ondas que se elevan, caen o se tensan».

Entre sus primeras colaboraciones profesionales destacables cabe mencionar las realizadas con el trompetista y fliscornista Art Farmer con quien empezó a tocar en 1978 en Los Ángeles y colaboró en álbumes como Yama (Soul Note, 1979), Mirage (Soul Note, 1982), Warm Valley (Concord, 1982), A Work of Art (Concord, 1982) y You Make Me Smile (Soul Note, 1984).

Especial fue, y es, su afinidad con la saxo soprano Jane Ira Bloom con quien ha trabajado en numerosas sesiones y en variados escenarios, fruto de los cuales son una serie de excelentes álbumes como As One (MJT, 1985) a dúo, así como los firmados por Bloom como Mighty Lights (Enja, 1982), Modern Drama (Columbia, 1987),  Slalom (Columbia, 1988), The Nearness (Arabesque, 1996), The Red Quartets (Arabesque, 1999) o Chasing Paint (Arabesque, 2003).

También en los inicios de su carrera colaboró con el flautista Jamie Braum, con el legendario armonicista Toots Thielemans en el festival de jazz de Great Woods (1986), colaboración que mantuvo durante varios años participando en la grabación de dos álbumes.

A lo largo de su carrera ha colaborado con una extensa nómina de destacados músicos del mundo del jazz —Joe Henderson, Charlie Haden, Art Farmer, Stan Getz, Lee Kontiz o Bill Frisell); de la vertiente de la música clásica — Renée Fleming, Dawn Upshaw, Joshua Bell, Christopher O’Riley o Nadja Salerno-Sonnenberg—, del entorno de Broadway (Audra McDonald), mostrando una especial empatía con cantantes colaborando estrechamente con voces como Nancy King, Cecile McLorin Salvant, Norma Winstone o Kurt Elling o Janis Siegel.

Desde hace más de tres décadas es una de las voces más creativas e influyentes como improvisador, compositor, educador, líder de grupo y colaborador en sesiones de grabación de destacados músicos. Nominado en 12 ocasiones a los premios Grammy, ha recibido los más prestigiosos premios, incluidas distinciones como la Guggenheim Memorial Fellowship (2003), la Doris Duke Artist (2016), el Jazz Pianist of Year en 2016 y 2018 concedido por la Jazz Journalists Association o el Prix Honorem de Jazz concedido en 2017 por la Acádemie Charles Cros a la totalidad de su carrera.

Considerado como el «más arriesgado e innovador pianista de jazz de la última década» por la revista Vanity Fair, de «leyenda viva» por New Yorker o «uno de los pocos músicos brillantes de su generación» según Downbeat, ha venido definiendo desde hace tiempo los límites creativos del jazz en un amplio abanico de campos que van desde sus impresionantes recitales a piano solo, sus dialogantes y explorarotorios dúos con destacados artistas, sus extraordinarios tríos, hasta sus innovadores formaciones de cámara.

Con más de tres docenas de álbumes publicados como líder o colíder, todos acogidos con excelente recepción de público y merecedores de elogiosas críticas por parte de medios internacionales. Su último álbum con su actual trío, Live in Europe (Palmetto, 2018) grabado en 2017 en el legendario Flagey Studio 4 de Bruselas, constituye la definitiva declaración de principios de la banda como atestigua la excelente acogida y atención por parte de la crítica internacional. El anterior álbum del trío, Sunday Night at the Vanguard (Palmetto, 2016), fue nominado en 2016 a dos premio Grammy —Best Jazz Solo y Best Jazz Album— y se situó en el 2º puesto en 2018 en las lista de mejor grupo pequeño elaborada por los críticos de la revista Downbeat. Floating (Palmetto, 2014), fue calificado por el crítico de The New York Time de «extravagantemente hermoso nuevo álbum» y recibió en 2014 dos nominaciones Grammy —Best Jazz Album y Best Jazz Solo—. Y el doble álbum Alive at the Vanguard (Palmetto, 2012) recibió en 2012 el Grand Prix du Disque francés y fue nominado entre los mejores del año por Downbeat.

Artista de imaginación y ambición ilimitadas, Hersch ha obtenido además gran reconocimiento por su trabajo en solitario, una trayectoria que llevó a All About Jazz a afirmar que «cuando se trata del arte del piano solo de jazz, hay dos clases de intérpretes: Fred Hersch y todos los demás». Su álbum Solo (Palmetto, 2015) recibió el Coup de Coeur de la Academie Charles Cros –su tercer premio en esta categoría— así como el Grand Prix de la Académie de Jazz de Francia. Excelentes son álbumes también a piano solo, entre otros, el elogiado Alone at the Vanguard (2006) grabado en su querido Village Vanguard neoyorquino —fue el primer pianista en la historia del legendario club en tocar durante una semana a piano solo—, así como Plays Jobim, Plays Rodgers & Hammerstein, Play Thelonious Monk o el reciente Open Book (Palmetto, 2017) nominado a dos Grammy y objeto de excelentes críticas y la calificación de 5 estrellas en revistas especializadas.

Destacable es su querencia por el formato de dúo, grabando varios álbumes, entre otros Free Flyng (2013) junto al guitarrista Julian Lage, Only Man (2013) con el trompetista italiano Ralph Alessi, The Duo Album (1997) recopilación de dúos con Jim Hall, Kenny Barron, Tom Harrell y Gary Burton o Song We Know (1998) con Bill Frisell.

Hersch ha altenado su carrera como intérprete con la de compositor y sus temas son parte importante tanto de sus conciertos como de sus grabaciones. Ha recibido importantes encargos de instituciones y centros como Gilmore Keyboard Festival, Doris Duke Foundation, Miller Theatre (Columbia University), Gramercy Trio y Brooklyn Youth Chorus.

En 2003 recibió la Guggenheim Memorial Fellowship para composición. Ese mismo año compuso Leaves of Grass (Palmetto), extensa 0bra basada en la poesía de Walt Whitman para dos voces —Kurt Elling y Kate McGarry— y un octeto instrumental que se presentó en marzo de 2005 en el Zankel Hall del Carnegie Hall como parte de una gira por seis ciudades estadounidenses.

En 2010 compuso la música para el proyecto teatral My Coma Dreams basada en las visiones que experimentó durante los dos meses que permaneció en coma en 2008 y que contó con la colaboración del escritor y director Herschel Garfein. Escrita para 11 instrumentos y un actor-cantante, fue grabada en video en la Universidad de Columbia y publicada en DVD por Palmetto en 2014. El suplemento dominical del The New York Times escribió: «singular entre los pioneros de su arte, un innovador en gran parte olvidado de un jazz individualista y sin fronteras: un jazz para el siglo XXI».

Más de 90 de sus composiciones han sido grabadas por él y por otros músicos. El sello Naxo publicó un álbum con muchos de estos trabajos, Fred Hersch: Concert Music 2001-2006 y la prestigiosa firma Edition Peters publicó su transcripción.

Comprometido con la causa del SIDA es desde hace más de dos décadas un activo portavoz y recaudador de fondos. Ha producido y actuado en cuatro grabaciones benéficas, así como en numerosos conciertos de la misma índole, entre otros el Classical Action: Performing Arts Against AIDS and Broadway Cares/Equity Fights AIDS. Hasta lafecha ha conseguido recaudar más de 300.000 dólares. Además ha participado como orador destacado e intérprete en conferencias médicas internacionales en Estados Unidos y Europla.

El extraordinario largometraje documental The Ballad of Fred Hersch (Swell, 2016), dirigido por Charlotte Lagarde y Carrie Lozano y música de Hersch, recoge su vida, obra, enfermedad y recuperación. Se estrenó en el prestigioso Full Frame Film Festival en marzo de 2016 y ha recibido prestigiosos premios.

Comprometido y prestigioso educador, ha impartido clases en prestigiosos centros como New England Conservatory, Juilliard School, New School y Manhattan School of Music. En la actualidad es Visiting Artist en la Rutgers University. Y es doctor honorario por Grinnell College y Northern Kentucky University.

En septiembre de 2017 publicó sus memorias, Good Things Happen Slowly (Crown Archetype Books/Penguin Random House), autobiografía reseñada en medios como Sunday New York Times o Fresh Air y considerada entre las cinco mejores memorias de 2017 por presitigiosos diarios como Washington Post y The New York Times y en 2018 fue elegido mejor libro de jazz del año por la Jazz Journalists Association.

La obra, de lectura fascinante, amén de un modo de aproximación a su vida y música, es un profundo recorrido por la historia del jazz de al menos el último cuarto de siglo y un fértil vademecum sobre los misterios de la interpretación pianistica. En ella se retrata como alguien que se emociona cuanto toca en público, que siente que aún tiene mucho que  aprender, como un músico de jazz que siempre se ha ganado la vida y que, ahora, puede tocar lo que quiera y con quien quiera.

«Comencé este libro de manera similar a como inicio una lección de piano con un nuevo alumno. Me senté y me dije: me gustaría saber de ti. ¿Cómo eres?».

Los tríos de Fred Hersch

La formación de trío piano —en hermanado conclave con contrabajo y batería— es una de las más fructíferas y revolucionarias de la historia  del jazz en una larga, muy larga historia y evolución. Es evidente que para un pianista es un sendero de obligado tránsito o si se quiere un laboratorio de ideas y experiencias, un lugar para la experimentación o, mejor aún, un triángulo equilatero musical o un triálogo entre conversadores inter pares, un juego lúdico de sonidos y emociones que brotan en el mismo instante de la interpretación…

El primer trío de Fred Hersch surgió en 1985, en los albores mismos de su carrera, entonces junto al contrabajista Marc Johnson y el batería Joey Baron publicando el álbum Horizons (Concord, 1985). El siguiente, Sarabande (SunnSyde, 1986) contó con la colaboración de Joey Moran pero ahora con Charlie Haden en el contrabajo. Luego se sucedieron sucesivos cambios en el trío altenándose Steve LaSpina, Michael Formanek o Marc Johnson en el contrabajo y Jeff Hirshfield a la batería en lo que sería la segunda y tercera edición del trío con álbumes como E.T.C. (Red, 1988), Hearsong (SunnSyde, 1989) o Evanescence. Tribute to Bill Evans (Evidence, 1990). La cuarta edición aparació en 1993 y contó con el contrabajista Drew Gress y el batería Tom Rainey publicando los álbumes Dancing in the Dark (Chesky, 1993), Plays (Chesky, 1994), Point in Time (Enja, 1995), Passion Flowers. The Music of Billy Strayhorn (Nonesuch, 1996) y que contó además con una orquesta de cuerda dirigida por Eric Sterne, a los que se suman Live at the Village Vanguard (Palmetto, 2003) y Night & The Music (Palmetto, 2007) con el batería Nasheet Waits sustituyendo a Rainey en la batería.

La actual es la quinta edición de su trío. Fred, John y Eric comenzaron a tocar  juntos en 2009 y desde entonces han publicado media docena de álbumes todos con el sello Palmetto: Whirl (2010), Alive at the Vanguard (2012) que recibió 4 estrellas de la revista Downbeat, Floating (2014), álbum de estudio que incluye 7 nuevas composiciones de Hersch y clásicos de Lerner/Loewe, Dietz/Schwartz y Thelonious Monk y nominado a dos premios Grammy como mejor álbum de jazz y mejor solo improvisado. Ocupó el número 1 en iTunes Jazz, el 2º en Amazon Jazz y el 5º en Billboard Jazz. Nat Chinen, crítico del diario The New York Times, escribió «Desde su debut hace 30 años Hersch ha estado publicando excelentes álbumes a trío y ninguno es mejor que éste». El cuarto, Sunday Night at the Vanguard (2016) fue nominado de nuevo para dos Grammy como mejor álbum de jazz y mejor solo improvisado. Su lanzamiento les llevó a una extensa gira por Europa, Asia y Estados Unidos, actuando en prestigiosos escenarios y festivales. Y el último, Live in Europe (Palmetto, 2018) ya ha recibido elogios de la crítica especializada. Y cabe señalar además un sexto, Everybody’s Song bu my Own publicado por el sello japonés Venus en 2011.

Según The New York Yorker «El trío toca con gran lirismo no exento de riesgo» y Wall Street Journal lo definió como «una de las mejores formaciones de la actualidad»

John Hébert (contrabajo)

John Hébert (New Orleans, Louisiana, 1972) Estudió contrabajo con Bill Huntington. Asistió con beca completa a la Loyola University of New Orleans.

Tras dos años tocando con muchos de los grandes músicos de la ciudad y actuar en prestigiosos clubes, entre otros, New Orleans Jazz y Heritage Festival, se trasladó a Nueva York en 1993 para continuar sus estudios en la William Paterson University, con profesores como el bajista Rufus Reid, graduándose en Music in Jazz Performance, labrándose pronto una gran reputación como prestigioso y muy solicitado contrabajista.

Ha colaborado y trabajado con una extensa nómina de destacados jazzmen, entre otros, Andrew Hill, Lee Konitz, Paul Bley, John Abercrombie, Kenny Wheeler, Paul Motian, Dave Liebman, Uri Caine, Greg Osby, Bill Stewart, Marc Copland, Maria Schneider,  Joe Maneri, Mary Halvorson, Tomasz Stanko o Benoit Delbecq. Y desde 2009 es miembro del trío del pianista Fred Hersch junto al batería Eric McPherson. Recientemente, además, colabora con Ralph Alessi, Taylor Ho Bynum, Frank Carlberg, Fred Hersch o Noah Preminger, entre otros. Ha participado en medio centenar de álbumes con muchos de los músicos citados: Andrew Hill —Time Lines (Blue Note) considerado por los críticos de Downbeat mejor álbum del año 2006—, Lucian Ban, Dave Ballou, Uri Caine, Mary Halvorson, , Steve Lehman, Andrew Rathbun, Dave Scott o Gebhard Ullmann.

Ha actuado a lo largo del mundo en prestigiosos festivales, entre otros, North Sea Jazz Festival, Tampere Jazz Festival, Montreal Jazz Festival, Moers Jazz Festival, Ear Shot Jazz Festival y San Francisco Jazz Festival. En Nueva York es habitual en clubes como Village Vanguard, Blue Note, Jazz Standard, Birdland o Iridium.

Desde hace años lidera diversos proyectos al frente de varias formaciones. Debutó como líder con el álbum Bizanthine Monkey (Firehouse 12, 2009) en sexteto integrado por los saxos Michaël Attias y Tony Malaby, el multiinstrumentista Adam Kolker, el percusionista Satoshi Takeishi y el batería Nasheet Waits, y al que la revista Downbeat dedicó una elogiosa reseña, 4 estrellas y el comentario del crítico Peter Margasak, «en su primer álbum como lider da muestras de un universo sonoro muy personal».

En 2010 y como John Hébert Trio —con el pianista francés Benoît Delbecq y el batería Gerald Cleaver— publicó Spiritual Lover (Clean Feed) recibiendo excelentes críticas y acogida de público. Según Stuart Broomer, «Un trío a partes iguales que intrepreta una música de gran poderío melódico», al que siguió Floodstage (Clean Feed, 2014).

Su última grabación como líder, Rambling  Confessions (Sunnyside, 2015), es un sentido homenaje a la legendaria vocalista Carmen McRae, junto a la vocalista Jen Shyu, el pianista Andy Milne y el batería Billy Drummond.

Considerado de «presencia indispensable en la escena local», según Hank Shteamer de Time Out New York, es uno de los contrabajistas más relevantes del panorama internacional y ha sido distinguido con numerosas e importantes distinciones y premios por sus composiciones y estilo interpretativo, como la de Rising Star Acoustic Bassist (Mejor contrabajista emergente) concedida por la prestigiosa encuesta de críticos de la revista Downbeat en 2011, quienes además lo nombraron mejor contrabajista en 2006, 2007 y 2008.

Miembro destacado de la prestigiosa comunidad jazzística neoyorquina desde hace más  de dos décadas ha ejercido como bisagra musical decisiva en formaciones junto a legendarios músicos —Andrew Hill, Fred Hersch, Paul Bley o Lee Konitz— merced a su experiencia y creatividad como instrumentista que le ha permitido superar con maestría la barrera entre los ámbitos del jazz clásico y la vanguardia.

Eric McPherson (batería)

Eric McPherson (New York, 1970). Nació y creció en un vibrante entorno musical. Su madre, prestigiosa bailarina y coreógrafa de la escena jazzística, se relacionaba con grandes figuras y su abuelo, el célebre contrabajista Richard Davis, sugirió su nombre en homenaje al saxofonista Eric Dolphy. Antes de cumplir los tres meses ya había asístido a actuaciones de grandes jazmen, incluidas figuras de la batería como Max Roach, Michael Carvin, Charles Moffett o Freddie Waits y a los tres años el gran Elvin Jones, otro viejo amigo del hogar, lo concenció de que en el futuro sería batería.

Aprendió a tocar la batería a los 8 años de forma autodidacta inspirado en Charles Moffett. A los 12 inició un periodo de estudio formal de siete años con el gran maestro y batería Michael Carvin. Durante ese tiempo comenzó a tocar con el joven saxofonista Abraham Burton, participando en actuaciones callejeras y en circuitos anti-aparheid, a veces con la participación del también batería Nasheet Waits. Poco después participaron en un concierto en el Barry Harris’ Jazz Cultural Theater.

Después fue admitido en la prestigiosa LaGuardia High School of the Arts de Nueva York, centro para estudiantes dotados. Pronto fue seleccionado para la New York All City High School Big Band, actuando en el Carnegie Hall y en el Lincoln Center y ganando importantes premios como solista.

Tras graduarse, su mentor Michael Carvin lo recomendó al saxofonista Jackie McLean, estudiando con una beca en el Jackie McLean Institute (Hartt School of Music, University of Hartford). Mientras estudiaba en este centro McLean le invitó a formar parter del Jackie McLean Quintet —junto a Rene McLean, Alan Palmer y Nat Reeves—, en el que permanecio durante 15 años, hasta la muerte de Jackie en 2006. Con McLean participó en dos álbumes así como en conciertos y festivales en Estados Unidos, América Latina y Europa.

Además ha trabajado y colaborado con infinidad de destacados jazzmen y formaciones diversas, incluida su permanencia en el último trío del legendario pianista Andew Hill fallecido en 2007 —Time Lines (Blue Note, 2006)—, así como con Pharaoh Sanders,  Richard Davies, Claudia Acuña, Jason Moran, Greg Osby o Avishai Cohen, entre otros muchos. En la actualidad es miembro, junto a John Hébert, del trío del pianista Fred Hersch.

Destaca tanto tanto por su profundo conocimiento de las raíces de la tradición de la batería de jazz como por su innovador y creativo estilo. Entre sus inspiraciones cita el magisterio de distinguidos baterías como Michael Carvin, Billy Higgins, Jack DeJohnette y Tony Williams.

En la actualidad imparte clases en la Jazz Studies Faculty of the Hartt School of Music de Hartford  CT y ha sido mentor de muchos de los más destacados jóvenes baterías de la escena jazzística actual.

Discografía Fred Hersch

Como líder o colíder

  • Fred Hersch Trio, Horizons (Concord Jazz, 1985) Marc Johnson y Joey Baron.
  • Fred Hersch & Jane Ira Bloom, As One (JMT, 1985). Dúo.
  • Fred Hersch Trio, Sarabande (Sunnyside, 1986) Charlie Haden y Joey Baron
  • T.C., E.T.C. (Red, 1988), trio con Steve LaSpina, Jeff Hirshfield.
  • Fred Hersch Trio, Heartsong (Sunnyside, 1989) con Michael Formanek y Jeff Hirshfield.
  • Fred Hersch, The French Collection. Jazz Impressions of French Classics (Emi Angel, 1989). Con with Steve LaSpina, Joey Baron y como músicos invitados: James Newton, Kevin Eubanks, Toots Thielemans, Eddie Daniels
  • Fred Hersch & Janis Siegel, Short Stories (Atlantic, 1989) Con Hervie Swartz y Kris Yenny.
  • Fred Hersch Trio, Evanessence: A Tribute to Bill Evans (Evidence, 1990), Michael Formanek o Marc Johnson, Jeff Hirsfield e invitados: Gary Burton y Toots Thielemans.
  • T.C., E.T.C. plus One (Red, 1991) Cuarteto: Steve LaSpina, Jeff Hirsfield y Jerry Bergonzi.
  • Fred Hersch Group, Forward Motion (Chesky, 1991) Quinteto: Rich Perry, Erik Friedlander, Scott Colley y Tom Rainey.
  • Fred Hersch Trio, Red Square Blue: Jazz Impressions and Russian Composers (Emi Angel, 1992). Steve LaSpina, Jeff Hirshfield e invitados: James Newton, Toots Thielemans, Phil Woods y Erik Friedlander.
  • Fred Hersch Trio, Dancing in the Dark (Chesky, 1993) Drew Gress y Tom Rainey.
  • Fred Hersch, At Maybeck (Concord, 1993) Solo. Maybeck Hall Recital Series, vol. 31.
  • Fred Hersch & Leny Andrade, Maiden Voyage (Chesky, 1994). Vocalista brasileña.
  • Fred Hersch Trio, Plays (Chesky, 1994) Drew Gress y Tom Rainey.
  • Fred Hersch, I Never Told You: Fred Hersch plays Johnny Mandel (Varése Sarabande, 1995). Solo.
  • Fred Hersch, Point in Time (Enja, 1995) Quinteto y Trío: Dawe Gress, Tom Rainey, Dave Douglas y Rich Perry.
  • Fred Hersch & Jay Clayton, Beautiful Love (Sunnyside, 1995) Dúo con la vocalista Jay Clayton.
  • Fred Hersch & Janis Siegel, Slow Hot Wind (Varèse Sarabande, 1995). Dúo.
  • Fred Hersch Trio, Passion Flower. The Music of Billy Strayhorn (Nonesuch, 1996). Dave Gress, Tom Rainey y orquesta de cuerda dirigida por Eric Sterne.
  • Fred Hersch, Plays Rodgers & Hammerstein (Nonesuch, 1996). Solo.
  • Fred Hersch, Plays Thelonious Monk (Nonesuch, 1997). Solo.
  • Fred Hersch, The Duo Album (Nonesuch, 1997). Miscelanea. Dúos con Jim Hall, Kenny Barron, Tom Harrell, Gary Burton, Janis Siegel, entre otros.
  • Thirteen Ways [Fred Hersch, Michael Moore y Gerry Hemingway], Thirteen Ways (GM, 1997).
  • Fred Hersch & Bill Frissell, Song We Know (Nonesuch, 1998). Dúo.
  • Fred Hersch, Let Yorself GO: Live at Jordan Hall (Nonesuch, 1999). Sólo.
  • Thirteen Ways [Fred Hersch, Michael Moore y Gerry Hemingway], Focus (Palmetto, 1999). Trío.
  • Fred Hersch, Norma Winstone, Kenny Wheeler y Paul Clarvis, 4 in Perspective (Village Life, 2000).
  • Fred Hersch, Songs with out Words (Nonesuch, 2001). Solo, dúo, trío, quinteto. 3 cd, homenaje a Cole Porter.
  • Fred Hersch Trio, Live at the Village Vanguard (Palmetto, 2003). Dave Gress, Nasheet Waits.
  • Fred Hersch & Norma Winstone, Songs and Lullabies (Sunnyside, 2003). Con Gary Burton en tres cortes.
  • Fred Hersc Trio, + 2 (Palmetto, 2004) Drew Gress, Nasheet Waits + Ralph Alessi y Tony Malaby
  • Fred Hersch, Soothing the Senses (Sensory Resources, 2004). Sólo.
  • Fred Hersch, Leaves of Grass (Palmetto, 2005). Poemas de Walt Whitman, Kurt Elling, Kate McCarry y octeto.
  • Fred Hersch, In the Amsterdam: Live at the Bimhuis (Palmetto, 2005), Solo.
  • Fred Hersch Trio, Night & the Music (Palmetto, 2007). Drew Gress, Nasheet Waits.
  • Fred Hersch, Concert Music 2001-2006 (Naxos, 2007). Con los pianistas Blair McMillen y Natasha Paremski, The Gramercy Trio y la celista Dorothy Lawsson.
  • Fred Hersch Pocket Orchestra, Live at Jazz Standard (Sunnyside, 20o9). Cuarteto con Ralph Alessi, Richie Barshay y Jo Lawry.
  • Fred Hersch, Plays Jobim (Sunnsyde, 2009). Composiciones de Antoni Carlos Jobim.
  • Fred Hersch Trio, Whirl (Palmetto, 2010). John Hébert, Eric McPherson.
  • Fred Hersch Trio, Everybody’s Song but My Own (Venus, 2011). John Hébert, Eric McPherson.
  • Fred Hersch, Alone at the Vanguard (Palmetto, 2011). Nominado Grammy Mejor Jazz Instrumental Album y Mejor Improvisación Jazz Solo.
  • Fred Hersch & Nico Gori, Da Vinci (Bee Jazz, 2012). Dúo con el clarinetista y saxofonista italiano.
  • Fred Hersch Trio, Alive at the Vanguard (Palmetto, 2012). John Hébert, Eric McPherson.
  • Fred Hersch & Julian Lage, Free Flying (Palmetto, 2013). Dúo. Nominación Grammy Best Improvised Jazz Solo.
  • Fred Hersch & Ralph Alessi, Only Man (CAM Jazz, 2013). Dúo con el trompetista Ralph Alessi.
  • Fred Hersch Trio, Floating (Palmetto, 2014). John Hébert, Eric McPherson.
  • Fred Hersch, Solo (Palmetto, 2015). Solo.
  • Fred Hersch Trio, Sunday Night at the Vanguard (Palmetto, 2016). John Hébert, Eric McPherson.
  • Fred Hersch, Open Book (Palmetto, 2017). Solo.
  • Fred Hersch Trio, Live in Europe (Palmetto, 2018). John Hébert, Eric McPherson.

Como sideman

Ha colaborado en la grabación de numerosos álbumes con destacados artistas de la escena jazzística internacional, entre otros, con Jane Ira Bloom: Mighty Lights (Enja, 1982), The Nearness (Arabesque, 1996), The Red Quartets (Arabesque, 1999), Chasing Paint (Arabesque, 2003), Slalom (CBS) y Modern Drama (Arabesque); Gary Burton: Departure (Concord; Lee Konitz, Round and Roun (MusicMasters); Art Farmer: Mirage (Soul Note, 1982), Warm Valley (Concord, 1982), You Make Me Smile (Soul Note, 1984), Yama (Soul Note) y A Work of Art (Concord); Eddie Daniels: To Bird with Love (GRP), Breakthrough (GRP); Michael Moore: Home Game (Ramboy), Chicotoumi (Ramboy) y Bering (Ramboy); Luciana Souza: North and South (Sunnyside); Billy Harper: Quintet in Europe (Soul Note, 1979) y The Awakening Aspects (Marge, 1979); Sam Jones: Something New (Interplay, 1979); Matt Kendrick: Other (Suitcase, 1992); Nancy King: Live at Jazz Standard (Mazzjazz, 2006), Toots Thielemans: Only Trust Your Heart (Concorde, 1988) y Do Not Leave Me (Stash); Roseanne Vitro: The Time of My Life: Roseanna Vitro Sings the Songs of Steve Allen (See Breeze, 1999; grabado en 1986), Conviction: Thoughts of Bill Evans (A Records, 2001).

© José Santiago Lardón ‘Santi’ (Julio, 2018)

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